100 phim hài hiện đại hàng đầu năm 2022

8 tháng 11 2018

Nguồn hình ảnh, Youtube

Chụp lại hình ảnh,

Một cảnh trong phim Đèn lồng đỏ treo cao

Ba năm trước BBC Culture đã lần đầu tiên tiến hành một cuộc thăm dò ý kiến ở quy mô lớn đối với các nhà bình luận phim để lựa chọn 100 bộ phim Mỹ xuất sắc nhất.

Hai cuộc bầu chọn tiếp theo nhằm xây dựng danh sách các phim hay nhất thế kỷ 21 và các vở hài kịch tuyệt đỉnh nhất từ trước tới nay - và các phim Mỹ lại thống trị vị trí đầu bảng.

BBC Culture trong năm 2018 đã hỏi ý kiến và đề nghị các nhà bình luận bầu chọn các bộ phim mà họ yêu thích nhất được sản xuất bằng bất kỳ ngôn ngữ nào, trừ tiếng Anh.

Và dưới đây là danh sách 100 bộ phim nước ngoài hay nhất mà BBC Culture có được.

Gọi là 'phim dùng tiếng nước ngoài' bởi đây là danh sách do BBC Culture thuộc BBC, hãng truyền thông của Anh lựa chọn, nhưng với khán giả quốc tế thì sẽ có những bộ phim không hề là 'tiếng nước ngoài' chút nào, nếu như ngôn ngữ trong phim chính là thứ tiếng mẹ đẻ của bạn.

Và bởi kết quả đưa ra là nhằm tôn vinh sự đa dạng, phong phú của điện ảnh toàn thế giới, cho nên chúng tôi muốn đảm bảo rằng những người tham gia bầu chọn đến từ khắp nơi trên thế giới.

Tổng số có 209 nhà bình luận phim tham gia bầu chọn, tới từ 43 quốc gia khác nhau, nói tổng số 41 thứ ngôn ngữ khác nhau. Đây là những yếu tố khiến bảng bầu chọn của BBC Culture khác biệt với các bảng xếp hạng khác.

Kết quả là chúng tôi có 100 bộ phim của 67 đạo diễn, đến từ 24 quốc gia và được thể hiện trên 19 ngôn ngữ.

Tiếng Pháp có thể xứng danh là thứ ngôn ngữ quốc tế của những bộ phim hay nhất: 27 trong số các phim được đánh giá cao nhất là phim làm bằng tiếng Pháp.

Tiếp đến là tiếng Trung, 12 phim, trong lúc tiếng Ý và tiếng Nhật, mỗi ngôn ngữ đóng góp 11 phim.

Xếp ở cuối bảng là một số ngôn ngữ chỉ có một phim đại diện, như tiếng Belarus (Hãy Tới Xem), Romania (4 Tháng, 3 Tuần và 2 Ngày), và tiếng Wolof (Touki Bouki).

Nếu như có điều gì đáng tiếc trong danh sách được chốt lại cuối cùng, thì đó là sự hiếm hoi các phim được đạo diễn hoặc đồng đạo diễn bởi các gương mặt nữ: chỉ có bốn trong tổng số 100 phim.

Nhưng chúng tôi đã liên lạc với các nhà nữ bình luận với con số tương đương với các nhà bình luận nam giới, và trong số những người tham gia bầu chọn thì có 94 người là nữ, chiếm 45%.

Có một số liệu thống kê khiến chúng tôi chú ý là một phần tư các phim trong danh sách là sản phẩm của Đông Á: có 25 phim được làm tại khu vực này, gồm Nhật (11), Trung Quốc (6), Đài Loan (4), Hong Kong (3), và Nam Hàn (1).

Bộ phim được đánh giá cao nhất, Bảy Samurai, tác phẩm của đạo diễn người Nhật Akira Kurosawa, được các nhà bình luận phim khắp thế giới, trừ Nhật, yêu thích.

Sáu nhà bình luận người Nhật tham gia bầu chọn đã không hề bỏ một phiếu nào cho phim của Akira Kurosawa.

Thế nhưng có một điều rõ ràng, đó là văn hoá thì không bị giới hạn bởi những đường biên giới, và ngôn ngữ không nhất thiết sẽ trở thành rào cản trong việc thưởng thức những bộ phim hay. Tuy rạp chiếu phim của một nước hẳn phải gắn bó với tính cách và lịch sử độc đáo của nước đó, nhưng ngôn ngữ trong phim thì lại mang tính phổ quát.

Thêm chuyện nữa: mục tiêu của mỗi lần BBC Culture lấy ý kiến bình phim luôn là tạo ra cuộc tranh luận cũng như khuyến khích mọi người khám phá.

Chúng tôi cũng nhận thức được rằng không có một danh sách nào là chuẩn mực hoặc làm hài lòng được tất cả mọi người - cho nên quý độc giả xin hãy liên hệ với chúng tôi bằng cách dùng #WorldFilm100 và cho biết liệu chúng tôi có bỏ lỡ bộ phim xuất sắc nào không.

100. Cảnh Trong Sương (Landscape in the Mist / Theo Angelopoulos, 1988)

99. Tro Bụi Và Kim Cương (Ashes and Diamonds / Andrzej Wajda, 1958)

98. Trong Cái Nóng Của Mặt Trời (In the Heat of the Sun / Khương Văn, 1994)

97. Vị Anh Đào (Abbas Kiarostami, 1997)

96. Shoah (Claude Lanzmann, 1985)

95. Những Đám Mây Trôi (Floating Clouds / Mikio Naruse, 1955)

94. Nhà Người Bạn Ở Đâu? (Where Is the Friend's Home? / Abbas Kiarostami, 1987)

93. Đèn Lồng Đỏ Treo Cao (Raise the Red Lantern / Trương Nghệ Mưu, 1991)

92. Những Cảnh Ngộ Từ Một Cuộc Hôn Nhân (Scenes from a Marriage / Ingmar Bergman, 1973)

91. Rififi (Jules Dassin, 1955)

90. Hiroshima Tình Yêu Của Tôi (Hiroshima Mon Amour / Alain Resnais, 1959)

89. Những Trái Dâu Dại (Wild Strawberries / Ingmar Bergman, 1957)

88. Chuyện Về Bông Cúc Cuối Cùng (The Story of the Last Chrysanthemum / Kenji Mizoguchi, 1939)

87. Những Đêm Tối Của Cabiria (The Nights of Cabiria / Federico Fellini, 1957)

86. La Jetée (Chris Marker, 1962)

85. Umberto D (Vittorio de Sica, 1952)

84. Sự Quyến Rũ Kín Đáo Của Giai Cấp Tư Sản (The Discreet Charm of the Bourgeoisie / Luis Buñuel, 1972)

83. Con Đường (La Strada / Federico Fellini, 1954)

82. Amélie (Jean-Pierre Jeunet, 2001)

81. Celine Và Julie Đi Chơi Thuyền (Celine and Julie go Boating / Jacques Rivette, 1974)

80. Những Kẻ Bị Lãng Quên (The Young and the Damned / Luis Buñuel, 1950)

79. Loạn (Ran / Akira Kurosawa, 1985)

78. Ngoạ Hổ Tàng Long (Crouching Tiger, Hidden Dragon / Lý An, 2000)

77. Kẻ Tuân Thủ (The Conformist / Bernardo Bertolucci, 1970)

76. Và Cả Mẹ Cậu Nữa (Y Tu Mamá También / Alfonso Cuarón, 2001)

75. Người Đẹp Ban Ngày (Belle de Jour / Luis Buñuel, 1967)

74. Gã Điên Pierrot (Pierrot Le Fou / Jean-Luc Godard, 1965)

73. Người Đàn Ông Với Chiếc Máy Quay Phim (Man with a Movie Camera / Dziga Vertov, 1929)

72. Phải Sống (Ikiru / Akira Kurosawa, 1952)

71. Xuân Quang Xạ Tiết (Happy Together / Vương Gia Vệ, 1997)

70. Nhật Thực (L'Eclisse / Michelangelo Antonioni, 1962)

69. Tình Yêu (Amour / Michael Haneke, 2012)

68. Ugetsu (Kenji Mizoguchi, 1953)

67. Thiên Thần Huỷ Diệt (The Exterminating Angel / Luis Buñuel, 1962)

66. Ali: Nỗi Sợ Hãi Gặm Nhấm Tâm Hồn (Ali: Fear Eats the Soul - Rainer Werner Fassbinder, 1973)

65. Ordet (Carl Theodor Dreyer, 1955)

64. Ba Màu: Màu Xanh (Three Colours: Blue / Krzysztof Kieślowski, 1993)

63. Tiểu Thành Chi Xuân (Spring in a Small Town / Phí Mục, 1948)

62. Hành Trình Linh Cẩu (Touki Bouki / Djibril Diop Mambéty, 1973)

61. Sơn Tiêu Đại Phu (Sansho the Bailiff / Kenji Mizoguchi, 1954)

60. Coi Khinh (Contempt / Jean-Luc Godard, 1963)

59. Hãy Tới Xem (Come and See / Elem Klimov, 1985)

58. Hoa Tai của Quý Bà de... (The Earrings of Madame de… / Max Ophüls, 1953)

57. Solaris (Andrei Tarkovsky, 1972)

56. Trùng Khánh Sâm Lâm (Chungking Express / Vương Gia Vệ, 1994)

55. Jules và Jim (Jules and Jim / François Truffaut, 1962)

54. Ẩm Thực Nam Nữ (Eat Drink Man Woman / Lý An, 1994)

53. Vãn Xuân (Late Spring / Yasujirô Ozu, 1949)

52. Chú Lừa Balthazar (Au Hasard Balthazar / Robert Bresson, 1966)

51. Những Chiếc Dù Cherbourg (The Umbrellas of Cherbourg / Jacques Demy, 1964)

50. Chuyến Phà Đi Ngang (L'Atalante / Jean Vigo, 1934)

49. Kẻ Rình Mò (Stalker / Andrei Tarkovsky, 1979)

48. Viridiana (Luis Buñuel, 1961)

47. 4 Tháng, 3 Tuần và 2 Ngày (4 Months, 3 Weeks and 2 Days / Cristian Mungiu, 2007)

46. Những Đứa Trẻ Nơi Thiên Đường (Children of Paradise / Marcel Carné, 1945)

45. Chuyến Phiêu Lưu (L'Avventura / Michelangelo Antonioni, 1960)

44. Cleo từ 5 đến 7 (Cleo from 5 to 7 / Agnès Varda, 1962)

43. Beau Travail (Claire Denis, 1999)

42. Thành Phố Của Chúa (City of God / Fernando Meirelles, Kátia Lund, 2002)

41. Phải Sống (To Live / Trương Nghệ Mưu, 1994)

40. Andrei Rublev (Andrei Tarkovsky, 1966)

39. Close-Up (Abbas Kiarostami, 1990)

38. Ngày Hè Sáng Sủa (A Brighter Summer Day - Dương Đức Xương, 1991)

37. Sen và Chihiro ở thế giới thần bí (Spirited Away / Hayao Miyazaki, 2001)

36. Đại Ảo Tưởng (La Grande Illusion / Jean Renoir, 1937)

35. Con Báo (The Leopard / Luchino Visconti, 1963)

34. Thiên Đường Phía Trên Berlin (Wings of Desire / Wim Wenders, 1987)

33. Playtime (Jacques Tati, 1967)

32. Tất Cả Những Điều Về Mẹ Tôi (All About My Mother / Pedro Almodóvar, 1999)

31. Cuộc Sống Của Những Người Khác (The Lives of Others / Florian Henckel von Donnersmarck, 2006)

30. Chú Hải Cẩu Thứ Bảy (The Seventh Seal / Ingmar Bergman, 1957)

29. Oldboy (Park Chan-wook, 2003)

28. Fanny và Alexander (Fanny and Alexander / Ingmar Bergman, 1982)

27. Linh Hồn Tổ Ong (The Spirit of the Beehive / Victor Erice, 1973)

26. Rạp Phim Tân Thiên Đường (Cinema Paradiso / Giuseppe Tornatore, 1988)

25. Yi Yi (Dương Đức Xương, 2000)

24. Chiến hạm Potemkin (Sergei M Eisenstein, 1925)

23. Nỗi Khổ Hình Của Jeanne d'Arc (Joan The Passion of Joan of Arc / Carl Theodor Dreyer, 1928)

22. Mê Cung của Pan (Pan's Labyrinth / Guillermo del Toro, 2006)

21. Biệt Ly (A Separation / Asghar Farhadi, 2011)

20. Tấm gương (Andrei Tarkovsky, 1974)

19. Trận đánh tại Algiers (Gillo Pontecorvo, 1966)

18. Bi tình thành thị (Hầu Hiếu Hiền, 1989)

17. Aguirre, Cơn Phẫn Nộ Của Chúa (the Wrath of God Aguirre / Werner Herzog, 1972)

16. Chốn Thành Thị (Metropolis / Fritz Lang, 1927)

15. Bài Hát Trên Con Đường Nhỏ (Pather Panchali / Satyajit Ray, 1955)

14. Jeanne Dielman, 23 Commerce Quay, 1080 Brussels (Chantal Akerman, 1975)

13. M (Fritz Lang, 1931)

12. Bá Vương Biệt Cơ (Farewell My Concubine - Trần Khải Ca, 1993)

11. Nghẹt Thở (Breathless - Jean-Luc Godard, 1960)

10. Cuộc Sống Ngọt Ngào (La Dolce Vita / Federico Fellini, 1960)

9. Tâm Trạng Khi Yêu (In the Mood for Love - Vương Gia Vệ, 2000)

8. 400 Cú Đánh (The 400 Blows / François Truffaut, 1959)

7. 8 1/2 (Federico Fellini, 1963)

6. Persona (Ingmar Bergman, 1966)

5. Luật Chơi (The Rules of the Game - Jean Renoir, 1939)

4. La Sinh Môn (Rashomon / Akira Kurosawa, 1950)

3. Câu Chuyện Tokyo (Tokyo Story / Yasujirô Ozu, 1953)

2. Những Kẻ Trộm Xe Đạp (Bicycle Thieves / Vittorio de Sica, 1948)

1. Bảy Samurai (Akira Kurosawa, 1954)

Bạn đã xem được bao nhiêu phim trong danh sách trên rồi?

Of all Paste’s curated Best 100 lists, the top comedies of all time has probably been the toughest to put together. It’s not because there’s any shortage of great comedies out there—as a category, the film comedy has existed from pretty much the beginning. But while all lists, no matter how objective a scale one tries to apply, have some degree of subjectivity to them, few things are as subjective as humor. For some, slapstick and farce hit the spot while more cerebral fare falls flat. For others, deft character studies that find the humor in our all-too-human foibles are the only comedies worth watching. In considering the top comedies ever made, there are as many flavors of culturally specific comedy as there are cultural sensibilities (and, of course, there are plenty of folks capable of enjoying more than one type). Faced with this challenge, we’ve decided to approach this particular list in a manner that seeks to guarantee laughter and amusement for the people most likely to look to it when seeking something that will bring some joy to the daily grind. These films have been chosen (and ranked) based on how many laughs we think they are likely to generate for the modern audience. That, in turn, means a couple of things for what might otherwise be the usual suspects on a Best Comedies list.

So, what’s the criteria for our list of best comedy movies of all time? First, it means some great films that are also comedies may appear lower on the list than they would if we were weighing technical execution of those non-comic elements equally with humor present. In some cases, that may mean just a spot or two lower on the list. More often, it’ll mean a more precipitous drop. Second, there are some films—and some comedic actors—whose importance to the development of the genre is unquestioned even as their appeal to modern audiences has waned due to changing times and tastes. Or perhaps, as with Laurel and Hardy and the Three Stooges, the type of humor they pioneered has been adopted and developed in iterations that have the end result of bumping them down or off the list. Finally, and related to the previous point, since this list does not weigh factors such as “cultural impact” or “pioneering importance” as heavily as it could, it inevitably skews more modern. This should not be seen as a slight (intended or unintended) against any director or movie. We appreciate those pioneers, but there are plenty of lists out there giving them their due.

Ultimately, when creating a list of the best comedies ever it’s all about the laughs. Every film on this list should be a dependable source of grins, chuckles and guffaws. After all, life is hard, people can suck, misfortune may indeed lurk around every corner, and we all know how it ends. Let the films on this list of best comedies ever made—and the laughter they elicit—help balance the scales.

(Note: Because so much of the impact of foreign comedies relies on language, we’ve only included English language films on this list.)

Here are the 100 best (English language) comedies of all time:

100. Clerks (1994)

Director: Kevin Smith

Sometimes a labor of love becomes something much bigger. When Kevin Smith spent $27,575 to film a black-and-white film about a slacker working at a Quick Stop, no one could imagine how much it would resonate. Filled with philosophical discussions on relationships, purpose and the relative innocence of construction workers on the Death Star, it established Smith as a unique voice for at least a corner of the slacker generation. Smith would return to the world of Dante, Randal, Jay and Silent Bob many times (and with modestly larger budgets), but it would never feel quite as a perfect as the original. —Josh Jackson

99. Waking Ned Devine (1998)

Director: Kirk Jones

Waking Ned Devine may be the most feel-good heist flick ever made. Ned is an old-timer in a small Irish village who wins the lottery and dies from the shock of it. Two of his old-timer buddies, Jackie (Ian Bannen) and Michael (Fawlty Towers’ David Kelly), decide to scam the big-city lotto agent into thinking that one of them is Ned, alive and well. What ensues is not so much a con-artist caper but more an Irish celebration of community, camaraderie and the spirit of human generosity. Other Irish themes championed: whiskey, lush landscapes, poetry, naked old dudes riding motorcycles, whiskey and the fiddle. Did we mention whiskey? —Ryan Carey

98. This Is the End (2013)

Directors: Evan Goldberg, Seth Rogen

Too often, Hollywood comedies aimed at a male audience skew more towards the single-digit side of the age scale. Yet there’s a pretty potent distinction between puerile and “late-juvenile” humor. The former—all fart, poop and pratfall—is the stuff that the eye rolls of girlfriends and wives is made of (not to mention a good portion of Adam Sandler and Kevin James’ careers). But the latter, done right, is an equal opportunity amuser. (Oh, eyes may still roll, but they do so while laughing.) Fueled by a mercilessly self-skewering ensemble effort from its principles (Craig Robinson, Danny McBride and Jonah Hill round out the core cast), the humor of This Is the End goes turbo as soon as the End is near, providing scene after scene that is dependably funny and frequently riotous. In comedies especially, the “actors starring as themselves” approach is so often more painful than funny, especially when a brand-conscious star betrays an ego-tinged reluctance to make fun of oneself. The stars and bit players of This Is the End show no such inhibitions. (In fact, Michael Cera seems intent on presenting the worst—though still hilarious—version of himself possible.) If anything, this willingness to mock themselves makes the characters all the more endearing, especially as the initial bro-mance between principles Jay Baruchel and Seth Rogen reasserts itself amid flames, desperation and demon cocks. As over the top as many of its scenes are, it’s hard not to credit the apocalypse itself for This Is the End’s sustained hilarity. Though plenty of the film’s scenes possess an honed improv feel much like the extemporaneous riffing of Anchorman, they are also usually more focused—in terms of plotting, there’s so little time to waste when the end is nigh. —Michael Burgin

97. Elf (2003)

Giám đốc: Jon Favreau Jon Favreau

Theo một nghĩa nào đó, làm cho Giáng sinh vui nhộn có thể dễ dàng như đáp ứng với một thứ gì đó có nghĩa là chân thành và vui vẻ với sự hoài nghi và bóng tối. Có nhân vật Giáng sinh hài nào thể hiện tình yêu thực sự của Giáng sinh không? Rất may, chúng tôi đã có màn trình diễn không sợ hãi của Will Ferrell khi yêu tinh để trả lời câu hỏi này bằng một tiếng vang có. Không có gì đại diện cho niềm vui Giáng sinh tốt hơn Will Ferrell trong quần màu vàng, một chiếc áo choàng màu xanh lá cây và mũ hình nón. Anh ta quấn một tấn hài kịch từ việc phản ứng với mọi thứ với sự kỳ diệu của mắt, trẻ con. Có thể cho rằng bộ phim Giáng sinh cổ điển thế hệ của chúng tôi, xem Buddy the Elf khiến bạn cười, khiến bạn mỉm cười và, để diễn giải từ Grinch, khiến trái tim bạn phát triển ba kích cỡ lớn hơn. Ngay cả khi bộ phim phá hủy một cú búng tay, chủng tộc trong suốt 30 phút cuối cùng, thì vô số món quà của nó vượt xa các vấn đề của nó. Từ các cốm được trích dẫn vô tận như Ninnymuggins đầu cotton cotton; Cảnh phun trái cây kích động; Zooey Deschanel giới thiệu cô ấy trước và anh ấy hát những khúc nhạc; Ông Narhwal và những con rối Bắc Cực (một tên ban nhạc nếu tôi từng nghe một); Cuối cùng, sự nhiệt tình truyền nhiễm của Ferrell, ELF là người kỳ nghỉ ngay lập tức. —Greg Smith & Jeremy Medina

96. 21 Jump Street (2012)

Giám đốc: Phil Lord, Chris Miller Phil Lord, Chris Miller

Chống lại tất cả các tỷ lệ cược, 21 Jump Street, một bộ phim dựa trên một bộ phim truyền hình Fox nhớ chủ yếu vì đã giúp khởi động sự nghiệp của Johnny Depp và nhắc nhở một cách ngắn gọn về thế giới rằng Dom Deluise có một con trai là một bộ phim cực kỳ thú vị, thường xuyên vui nhộn. Tiền đề là không thay đổi. Hai nhân viên cảnh sát trông trẻ trung (và vì đây là một bộ phim hài, bất tài ngoạn mục) được chỉ định vào một bộ phận đặc biệt, đặt các đại lý bí mật trong các trường học trong nỗ lực ngăn chặn hoạt động bất hợp pháp. Đối với các sĩ quan Schmidt (Jonah Hill) và Jenko (Channing Tatum), mới ra khỏi học viện, đây không phải là cơ hội lưu vong rất xứng đáng. Nhiệm vụ của họ, được giao bởi một đội trưởng cảnh sát da đen tức giận có chủ đích (ICE Cube): chứa sự lây lan của một loại thuốc mới nguy hiểm đã xuất hiện tại một trường trung học địa phương. Đối với Jenko, việc trở lại trường trung học đại diện cho sự trở lại với những ngày vinh quang của anh. Đối với Schmidt, nó lại trở lại hiện trường vụ án mà cơ thể được phác thảo trong phấn trông có vẻ đáng ngờ giống như của mình. Không giống như rất nhiều bản làm lại truyện tranh, khởi động lại và các phần tiếp theo bị trì hoãn từ lâu, 21 Jump Street không dựa trên sự hoài cổ để tạo ra tiếng cười của nó. Hill đang làm bất cứ điều gì mà anh ấy đã làm trước đây, nhưng điều đó không làm cho việc giao hàng chết chóc của anh ấy trở nên ít buồn cười hơn, đặc biệt là cùng với sự đáng sợ của đối tác của anh ấy. Hill và Tatum được hỗ trợ bởi một nhóm những khuôn mặt dễ nhận biết, bao gồm Rob Riggle, Ellie Kemper và Chris Parnell. Nhưng mặc dù bản hòa tấu của người Viking thường đề cập đến diễn viên và đoàn làm phim, 21 Jump Street thậm chí còn ấn tượng hơn khi được xem như là một bản hòa tấu của các phương pháp hài. Có những tiếng cười phù hợp với tất cả các thị hiếu từ những câu chuyện châm biếm đến những câu nói hay, từ những người chọc cười (tôi thực sự nghĩ rằng điều đó sẽ bùng nổ. Và mỗi được chuyển tải trong một biện pháp phù hợp với hình thức của nó. Kết quả là, ở đó, không có nhiều thời gian để xem 21 Jump Street mà không có ít nhất một nụ cười trên một khuôn mặt. Giới thiệu Burgin

95. Trong vòng lặp (2009)

Giám đốc: Armando Iannucci Armando Iannucci

Nếu sự hài hước bằng lời nói thông minh là dễ dàng, chúng tôi sẽ có nhiều phim hài hơn như trong vòng lặp từ Veep và người sáng tạo của nó Armando Iannucci. Nhưng nó không phải là, và cái này đứng trong một lớp của riêng nó. Đó là bộ phim được trích dẫn nhất trong những năm 2000, theo dặm, và những cái miệng bô hoài nghi trên màn hình rất rõ ràng và sáng tạo đến nỗi, sau trận tuyết lở, bạn còn lại với cảm giác kéo dài mà bạn đã xem không chỉ là một bộ phim vui nhộn Nhưng cũng là một sự châm biếm chính trị độc ác của trật tự cao nhất, loại mà sự phi lý nói cho chính nó. Mạnhrobert Davis

94. Đêm Talladega: Bản ballad của Ricky Bobby (2006)

Giám đốc: Adam McKay Adam McKay

Will Ferrell và John C. Reilly đi cùng nhau như hòa giải và bị ném ra khỏi Applebee. Trong một trong những bộ phim hay nhất do Adam McKay đạo diễn, bộ đôi chơi các tài xế xe đua trong một bản gửi yêu thương của văn hóa NASCAR. Sacha Baron Cohen hoàn hảo như lá châu Âu của Ferrell Jean Girard, và bộ phim được đóng gói với cả hai trò đùa (The Cougar trong chiếc xe đua) và đối thoại tuyệt vời (cầu nguyện với tám pound-sáu-ounce-New-New-Infant Chúa Giêsu). Con trai của ông Walker và Texas Ranger, sự xuất hiện ngẫu nhiên của Elvis Costello và Mos Def ở sân sau Girard, và Amy Adams tái tạo video Whitesnake trong quán bar đều cung cấp những khoảnh khắc nổi tiếng từ Canon Apatow Judd. CấmJosh Jackson

93. What Up Up, Doc (1972)

Giám đốc: Peter Bogdanovich Peter Bogdanovich

Một nửa niềm vui của Peter Bogdanovich, những gì lên, doc? là vận tốc của nó. Tất nhiên, nửa còn lại là kho báu của nó, nhưng những cú đấm đó chỉ đơn thuần là giao cho chúng tôi với tốc độ nhanh chóng: chúng được tăng cường bởi nó. Một phiên bản chậm hơn của bộ phim này cũng không hoạt động. Sự hài hước được khẳng định khi áp đảo khán giả với quá nhiều tiếng cười, giữ cho chúng ta trong những tiếng cười khúc khích mà không có cơ hội lấy lại bình tĩnh. Hiệu ứng này là phụ gia, được minh họa tốt nhất trong một cảnh mà Judy (Barbra Streisand) tinh nghịch đã vô tình dàn dựng sự đốt cháy của phòng khách sạn Howard, (Ryan O hèNeal). Rube Goldberg không thể phát minh ra một biện pháp vòng xoay hơn để đốt một không gian trên lửa, giống như Coen Brothers, hoặc thậm chí là Alfred Hitchcock, không thể đưa ra một âm mưu nhận dạng nhầm lẫn của người Hồi giáo. Những gì mà Up Up, Doc? Thói quen tự buộc mình vào các nút thắt có lẽ là tuyên bố lớn nhất của nó đối với sự nổi tiếng, hơn cả sự bất kính rõ rệt và bedlam cơ bản của nó. Hài kịch không cần phải đơn giản. Khi các cuộc gọi dịp, họ có thể là mê cung hoàn toàn. Bogdanovich dễ dàng dẫn chúng ta qua mê cung, ngay cả khi nhiều bộ phận di chuyển của nó gần nhau và câu chuyện phát triển hơn bao giờ hết, lên đến đỉnh điểm trong một cuộc rượt đuổi xe hơi kết thúc với mọi người tại tòa án và Liam Dunn đã bất tỉnh trên bàn của anh ta. Vào thời điểm các khoản tín dụng cuộn, bạn có thể hết hơi đến nỗi bạn sẽ tham gia cùng anh ấy ngay sau đó. Tiếng crump

92. Chuyến đi nữ (2017)

Giám đốc: Malcolm D. Lee Malcolm D. Lee

Mặc dù thật tuyệt khi trải nghiệm những bộ phim mạnh mẽ và đột phá và tàn phá đều được viết tốt và vui vẻ không phù hợp. Và tôi không chắc ai đã có nhiều niềm vui trong năm nay so với những người trong chúng ta đã trải qua chuyến đi nữ. Bạn có khả năng mong đợi một câu chuyện vững chắc, ấm lòng về một nhóm bạn kết nối lại trong chuyến đi đến New Orleans, nhưng bạn tự hỏi làm thế nào bạn đi cả đời mà không gặp phải phiên bản màu đen, tập trung vào nữ giới này của The Hangover . Không chỉ là chuyến đi của các cô gái, rất gợi nhớ đến những bộ phim hài, vô lý (và kiểu kinh tởm) đó, mà là những khoảnh khắc gây sốc, gây cười rất Thông điệp kết thúc trong tất cả. Đó là một điều tốt, bởi vì nó làm cho những cuộc đối đầu và lời thú tội cuối cùng ở cuối phim trở nên hấp dẫn hơn. Tất nhiên, điều thực sự làm cho bộ phim này trở thành một trong những bộ phim đẹp và vui nhộn nhất trong năm là dàn diễn viên của nó, với những màn trình diễn từ một nhóm phụ nữ đáng kinh ngạc với loại hóa học mà bạn mơ ước được xem trên màn ảnh: Regina Hall, Tiffany Haddish, Jada Pinkett Smith và Nữ hoàng Latifah đều quay trong công việc phi thường. Haddish đã (đúng) được tổ chức là ngôi sao đột phá, nhưng năng lực hài hước của cô có thể bị mất trên một kịch bản ít hơn. May mắn thay, các nhà văn Tracy Oliver, Kenya Barris và Erica Rivinoja đã đặt một nền tảng hoàn hảo cho đạo diễn Malcolm D. Lee, và kết quả là một trong những vụ nổ lớn nhất trong số bất kỳ thể loại nào trong năm. CấmShannon M. Houston

91. The Jerk (1979)

Giám đốc: Carl Reiner Carl Reiner

Từ một vài dòng đầu tiên, đồng tác giả/ngôi sao Steve Martin và đạo diễn Carl Reiner thiết lập mức độ họ sẵn sàng vượt qua bất kỳ tiêu chuẩn kể chuyện truyền thống nào để ủng hộ bất kỳ trò đùa nào đẩy giới hạn của sự bất kính và cực đoan. Đây là hình ảnh nhợt nhạt của khuôn mặt Steve Martin, sắp mời chúng tôi vào một loạt hồi tưởng về cuộc sống bi thảm của nhân vật anh ấy, và anh ấy bắt đầu câu chuyện với, tôi sinh ra là một đứa trẻ da đen tội nghiệp. Từ đó, bất cứ shenanigans nào mà Nevan, Martin, đã đánh dấu vào những kẻ ngốc tự biết về sự tự mình ở khắp mọi nơi, tự tìm hiểu, những điểm cốt truyện này chỉ được sử dụng như những lời bào chữa để xâu chuỗi lại với nhau càng nhiều trò đùa ngu ngốc càng tốt. Thật khó để gọi kẻ ngốc là một trò nhại, vì nó không nhất thiết phải là một thể loại cụ thể hoặc một bộ phim nổi tiếng (Martin và Reiner để lại cho những người đàn ông đã chết không mặc đồ kẻ sọc và người đàn ông có hai bộ não), nhưng nghiện hưng cảm của nó để trích xuất Nhiều tiếng cười khúc khích ra khỏi bất kỳ tình huống ngẫu nhiên nào, đẩy ranh giới cường điệu và sau đó đẩy nó thêm một số, đặt giai điệu của nó một cách thẳng thắn vào Zucker, Abrams, Zucker Camp, người đang trên đường hoàn thiện cách tiếp cận đó với máy bay vào thời điểm của kẻ ngốc phóng thích. Chỉ cần nhìn vào cảnh Nevan xông ra khỏi nhà anh ta, lấy đồ đạc ngẫu nhiên ra khỏi sự bất chấp. Nó đạt đến một điểm cực đoan của sự phóng đại hài hước, và sau đó đẩy nó đi xa hơn, tìm thấy một vị trí vượt ra ngoài việc nhại lại. CấmKtay Ege Kozak

90. Napoleon Dynamite (2004)

Director: Jared Hess

Napoleon Dynamite was never really intended to become a pop-cultural touchstone of the mid-2000s. Made for a shoestring budget of $400,000 (star Jon Heder was originally paid just $1,000 for his performance), this was just meant to be a quirky, indie awards show novelty, not a generator of countless memes and catchphrases that would persist in the high school lexicon for years to come. But as we all know, the film took on a life of its own and became a huge sleeper hit. This had the effect of making it far better known to general audiences, yes, but it simultaneously obscured a bit of the film’s brilliance in terms of its critical appraisal. Because with success and overexposure, came some level of derision. Napoleon Dynamite, its title character and its quotes were thrown around as shorthand for “dumb comedy,” but the truth of the film is a rather cutting satire of American unexceptionalism. Napoleon and the residents of his Idaho town are a uniquely pathetic lot, and Napoleon Dynamite is a comedy that dares to present an entire universe of ugly personalities, fragile egos and social ineptitude. The character of Uncle Rico alone, best captured in his endless, masturbatory, self-shot football videos, is someone who you might typically expect to appear in a tragedy rather than a comedy, so crushing is his characterization. Hell, the most popular kid in Napoleon’s school looks like a young Jake Busey, for God’s sake. The film’s unusual sense of Midwestern ennui may have been lost on some audiences, but it’s the element that makes Napoleon Dynamite more than just a Comedy Central weekend afternoon feature. —Jim Vorel

89. Kind Hearts and Coronets (1949)

Director: Robert Hamer

There’s nothing kind about familicide, but Robert Hamer improbably takes the subject of offing one’s family for revenge and personal gain and turns it into giddy black comedy bordering on the absurd. It helps that the victims of our spurned hero, Louis Mazzini (Dennis Price), are each played by Alec Guinness, wearing the guises of dukes, bishops, and suffragettes alike and posing in increasingly ridiculous scenarios, from boating mishaps to balloon accidents, as Louis exacts his vengeance on the family that ruined his life. His mother, you see, was the youngest daughter of the 7th Duke of Chalfont, until she married an opera singer and was promptly booted out of the clan for daring to find love from outside of her social strata; this single act of cruelty is the sole source of Louis’ misery in life, and so he finds reparation in death. You may, at first, balk at the notion of murder as comedy, but Kind Hearts and Coronets carries out its grim duties with such cheer that you surrender morality to Hamer’s comedy and guffaw at the film’s dry British wit and gallows humor. —Andy Crump

88. Pee-Wee’s Big Adventure (1985)

Director: Tim Burton

Tim Burton’s full-length directorial debut is also one of his best. Pee-wee’s Big Adventure brings us into the bizarro world of Pee-wee Herman, the excitable, ageless protagonist that’s hopelessly attached to his bike. After it’s stolen in broad daylight, we see Herman travel across the U.S. to reclaim his baby. And through the adventure and its ongoing discoveries (who knew the Alamo didn’t have a basement?) we’re introduced to unforgettable characters like Herman; his (sort-of) love interest, Dottie; the horrifying trucker ghost Large Marge; the snotty, rich Francis; and Herman’s dog, Speck. Herman’s wacky world is fully realized through the eye of Burton, and this one stands alone as a film that kids and adults can both get a kick out of. —Tyler Kane

87. Deadpool (2016)

Director: Tim Miller

Amidst the deluge of Marvel-related movies that have flooded movie theaters in the last decade, it might be easy to overlook Deadpool’s importance as a genre milestone. Amidst those early signs of viewer interest (Blade), franchise launches (X-Men), moments of director/source material synergy (Raimi’s Spider-Man) and 18 or so MCU films, Deadpool is recognizable as a triumph of perseverance and (baby) hand-in-glove casting, as well as proof that R-rated superheroing is viable at the box office (which in turn smoothed the way for more serious takes like Logan). There’s also the fact that, fueled by the character’s signature irreverence and meta commentary, Tim Miller’s take on the Merc with a Mouth is easily the funniest comic book movie out there. This itself can be seen as a sign of the genre’s growth—just as Airplane produced a relentless stream of verbal and visual gags mined from the serious tropes of big event disaster movies, Deadpool shows how so-called “genre fatigue” can actually translate as “comedy goldmine.” While humor has always been an ingredient in the MCU and elsewhere, Deadpool lifts a leg and lets loose its own deluge of wall-to-wall humor, proving itself the franchise with the most ammo (and biggest bladder?) when it comes to laughs in the Marvel Universe. —Michael Burgin

86. Là John Malkovich (1999)

Giám đốc: Spike Jonze Spike Jonze

Bộ phim đầu tay của đạo diễn Spike Jonze và nhà văn Charlie Kaufman là một trò đùa dài, vô lý với cú đấm là cảnh quay cuối cùng: Quan điểm của một người đàn ông thút thít khi anh ta buộc phải xem những người thân yêu của mình quên đi anh ta đã từng tồn tại. Khi John Malkovich thừa nhận, với sự rõ ràng đáng buồn, cuộc sống của chúng ta hoàn toàn nằm ngoài tầm kiểm soát của chúng ta. Trong phim, chúng tôi theo dõi Puppeteer Street Puppete Craig (John Cusack, trông giống như một đống tóc nhỏ, ngân nga) khi anh ấy đối mặt với khả năng kinh tế của nghề nghiệp được chọn bằng cách nhận một công việc quản trị trên tầng 7 của một tòa nhà cũng xảy ra để che giấu Một cánh cửa nhỏ dẫn đến, nếu một người bò qua mạng nhện và vũng nước, đến bên trong đầu của John Malkovich, trong 15 phút, khách du lịch não có thể sống một cách gián tiếp thông qua mắt nam diễn viên nổi tiếng John Malkovich trước khi nhổ nước bọt ra khỏi New Jersey Turnpike . Có con đường của mình với Marionettes trong nhiều năm, Craig dần hiểu cách kiểm soát Malkovich khi ở trong đầu, cúi mình trong cống của người đàn ông vô thức để trốn tránh giới hạn 15 phút cần thiết, nhưng không phải trước khi yêu một đồng nghiệp ( Catherine Keener), người dường như đang yêu vợ của Craig, Lotte (Cameron Diaz), nhưng chỉ thông qua các liên lạc khác nhau thông qua xác chết có thể thao túng của John Malkovich. Trong suốt, Jonze và Kaufman chỉ chi trả nhiều logic cần thiết để quay phim câu chuyện từ kịch bản kỳ lạ này sang kịch bản kỳ lạ khác, nhưng không bao giờ để cho trái tim ảm đạm của bộ phim xảy ra trên thế nào, việc thực hiện cốt truyện diễn ra như thế nào. Những lứa rác thị giác, những bức ảnh của Jonze: Một chiếc xe bị che giấu từ một chiếc xe đang nhanh chóng bật ra khỏi đầu của Malkovich, thủ phạm nhận ra Malkovich đúng lúc để gọi anh ta ra khỏi tên Bên đường trong Jersey là dự đoán của bất kỳ ai; Một tài liệu có tính năng Brad Pitt chỉ để bỏ qua anh ta; Một vũ trụ thay thế Charlie Sheen ôm lấy chân tóc đang thoái trào của mình. Ý tưởng chất đống nhiều ý tưởng hơn, cho đến khi toàn bộ sự việc sụp đổ, bộ phim trung tâm về cơ bản John Malkovich hát tên của chính mình với một John Malkovich khác, cố gắng dụ dỗ nam diễn viên thích mình. SINHDOM Sinacola

85. Tôi trái tim Huckabees (2004)

Giám đốc: David O. Russell David O. Russell

Theo bản chất của cách chúng tôi tiếp cận danh sách này (được đề cập trong phần giới thiệu mà bạn có thể không đọc), cuộc bạo loạn cười xảy ra ngay lập tức, sự hài hước ít có được hương vị có được và nhiều hơn trong khuôn mặt của bạn. Tuy nhiên, có một vài bộ phim mà xem lần xem thứ hai hoặc thứ ba có khả năng là thiết lập Hook Hook thành bộ phim hài đầu tiên, và David O. Russell, 2004 là một trong số đó. Tôi Heart Huckabees có một dàn diễn viên tuyệt vời ở đầu các trò chơi tương ứng của họ (Jude Law, Naomi Watts, Dustin Hoffman, Lily Tomlin), trong một trò chơi mà họ thường không nghĩ là chơi (Isabelle Huppert) hoặc, đánh dấu, đánh dấu Wahlberg trong vai trò tốt nhất mà anh ấy từng có. Khi xem đầu tiên, biệt ngữ có thể áp đảo người xem ít nghiêng về mặt triết học hơn, nhưng trong nỗ lực tìm thấy ý nghĩa trong một loạt sự trùng hợp trong một thế giới hỗn loạn. Cho dù bạn cho rằng bộ phim hài đặc biệt đó về tình trạng con người đen tối, gió, khó hiểu hay chỉ là những gì nó là, thì sẽ phụ thuộc vào trạng thái tâm trí của bạn. Tôi trái tim Huckabees chỉ biết nó khá buồn cười, bất kể. Giới thiệu Burgin

84. Superbad (2007)

Giám đốc: Greg Mottola: Greg Mottola

Mỗi thế hệ thanh thiếu niên đều có thế hệ phim tuổi teen, và Greg Mottola, Superbad là mẫu mực của tôi. Ở Seth (Jonah Hill) và Evan (Michael Cera), bạn bè của tôi và tôi đã có một tấm gương cho sự bất an và lúng túng của chính chúng tôi, họ là Anthony Michael Halls thời hiện đại của chúng tôi. Trong Fogell/McLovin (Christopher Mintz-Plasse), chúng tôi đã có một biểu tượng kỳ lạ bằng cách nào đó kết thúc một người chiến thắng, một loại hình ảnh của Ferris Bueller (Matthew Broderick). Và trong những trò đùa tinh ranh liên tục của Superbad (chăm sóc một kịch bản bằng cách đặt tên cho Seth Rogen và Evan Goldberg), chúng tôi đã có một đại diện chính xác về cách mà tất cả chúng ta đã nói, sự trưởng thành bị nguyền rủa. Bộ phim đã giúp tạo ra một ngôn ngữ thiếu niên da trắng được tạo thành hoàn toàn từ các tài liệu tham khảo dâm ô, vô lý. Nó có một com-com ở nhiều khía cạnh, nhưng không giống như những người tiền nhiệm của nó, Superbad là một mối tình lãng mạn giữa hai người bạn, một câu chuyện trong đó ham muốn tình dục là thứ yếu của nhu cầu của Platonic. Trong sự từ chối của bộ phim, với hai người dẫn đầu đã gần gũi trong túi ngủ, Seth theo nghĩa đen nói, tôi chỉ muốn đi đến mái nhà và hét lên, 'Tôi yêu người bạn thân nhất của tôi, Evan.' Có vẻ như vô vọng khi mất trinh tiết, Superbad cung cấp một thời gian nghỉ ngơi đáng hoan nghênh, một sự thừa nhận rằng việc tập trung toàn bộ cuộc sống của bạn vào tinh ranh của bạn là vô nghĩa khi có sự hoàn thành để có được trong suốt thời gian. Mạnhzach Blumenfeld

83. National Lampoon’s Animal House (1978)

Director: Jon Landis

John Belushi created an entire character archetype in his too-short career, but it’s best vehicle is quite possibly in John Landis’ party romp as the intoxicated slob, Bluto. Written by the late Harold Raimis, Animal House captures all of the excessive, mindless fun of college in a memento that never becomes any less funny or nostalgic, no matter how many times you rewatch it. —Sean Edgar

82. Dazed and Confused (1993)

Director: Richard Linklater

Set in 1976 Texas, Dazed and Confused flows from one group of high-school and middle-school students over the course of one night—the traditional cinematic one-night-that-changes-everything.— Richard Linklater’s follow-up to Slacker shows a variety of vantage points on a number of issues, philosophical, political and otherwise. The camera lingers, offering multiple perspectives, and allowing you to take your time and consider all sides of these various excursions. Ultimately, these digressions circle back on one another, and Linklater forms them into a coherent narrative that resembles an updated American Graffiti for a new generation. As the day begins, there is a very rose-tinted-glasses style outlook on the whole scene, one that is, layer by layer, peeled away over the course of the ensuing evening. For all the seeming importance placed on things like playing football, chasing romantic partners and finding some good old-fashioned visceral experiences, there isn’t much in the way of consequences. You may get your ass kicked a little bit, but there isn’t a lot at stake. Whatever happens, you’ll be fine. This is never more apparent than as Dazed and Confused draws to a close and the film takes a dark turn towards what can only be described as adulthood. —Brent McKnight

81. Fantastic Mr. Fox (2009)

Director: Wes Anderson

Wes Anderson’s trademark ironic eccentricity and Roald Dahl’s vaguely menacing but entirely lighthearted surrealism combine to form Fantastic Mr. Fox, Anderson’s first animated effort, which uses the same maddeningly traditional stop-motion techniques as Isle of Dogs. It’s ostensibly a children’s film (Mr. Fox and his family and friends try to outrun the mean farmers), but rather transparently aimed at their parents, who likely read Dahl’s books in grade school, remember stop-motion when it didn’t feel vintage, and have followed Anderson’s work for years. But Fantastic Mr. Fox is broader and more straightforward than any of Anderson’s other films. The tale has been greatly expanded from the Dahl original to cover familiar Anderson themes of family, rivalry, and feeling different. And with its lush autumnal palette and hijinks worthy of Max Fischer or Dignan, the result is a film that only Wes Anderson could have made. —Alissa Wilkinson

80. A Shot in the Dark (1964)

Director: Blake Edwards

Amazing to think that when the first film in the Pink Panther series was made, it was intended as a vehicle for its top-billed star David Niven. Wisely, director Blake Edwards realized the true star of the show was the bumbling French policeman Inspector Clouseau, as embodied by the brilliant Peter Sellers. So, they rushed another film into production (it was released in the States a mere three months after The Pink Panther) and comedy greatness was born. Ever the sport, Sellers quite literally threw himself into the part, crashing and stumbling through his investigation of murder and mangling the English language each step of the way. Try as they might to recapture the fire of this first sequel, nothing quite matched the freewheeling spirit of A Shot in the Dark. —Robert Ham

79. Step Brothers (2008)

Director: Adam McKay

If we’re judging in terms of pure quotability, the only comedy film of the last 20 years to even exist in the same solar system as Step Brothers is Anchorman. What does this say of us as viewers? Step Brothers is perhaps the finest distillation of the post-2000s man-child comedy subset, taken to the illogical extreme. Its two central characters are each in their 40s, and equally incapable of taking the barest shred of responsibility for their lives outside of the protective cocoon of home. Brennan (Will Ferrell) doesn’t understand where a person might go in order to obtain toilet paper when they run out. Dale (John C. Reilly) erroneously believes he can inherit his father’s “family business” of being a medical doctor. The characters are so exaggeratedly helpless that the film somehow manages to achieve transcendent punchlines toward the end simply by showing them forced to adapt to the mundanity of normal life. What other film could turn “taking baby Aspirin to reduce my risk for heart attack” into a genuinely laugh-out-loud moment? But more than anything, Step Brothers is what happens when you simply let two of the finest comic actors of a generation play off each other and improvise to their heart’s content, with a rare form of chemistry that would be impossible to fake and flanked by brilliant supporting work from the likes of Richard Jenkins, Mary Steenburgen and Adam Scott. —Jim Vorel

78. Đến Mỹ (1988)

Giám đốc: John Landis John Landis

Nếu bộ phim này bao gồm các cảnh Barbershop bên trong My-T-Sharp và không có gì khác, thì nó vẫn sẽ là một trong những bộ phim hài hay nhất mọi thời đại. Eddie Murphy và Arsenio Hall đã hợp tác với đạo diễn John Landis (Blues Brothers) và tạo ra một tác phẩm kinh điển. Là Hoàng tử Akeem từ đất nước hư cấu của Zamunda, Murphy đi đến Đại Hoa Kỳ để trốn tránh cuộc hôn nhân sắp đặt của mình và tìm thấy tình yêu đích thực (ở Queens, rõ ràng). Akeem gặp phải tất cả những điều kỳ diệu của Mỹ da đen, nhưng sự thay đổi châm biếm là thiên tài, nhà truyền giáo da đen (thông qua Hall là Reverend Brown không thể so sánh được), bối cảnh câu lạc bộ, tiệm hông, văn hóa hip-hop và tâm hồn glo, tất cả đều ở đây. Các khách mời từ các diễn viên như Cuba Gooding Jr., Samuel L. Jackson, Louie Anderson và Murphy, các bạn diễn, các bạn diễn Don Ameche và Ralph Bellamy đưa trải nghiệm đến Mỹ đến một cấp độ hoàn toàn mới. Một bộ phim hài xuất sắc và một cống phẩm tuyệt vời cho thành phố New York, câu chuyện về một hoàng tử chỉ muốn được yêu thương là một điều không thể bỏ qua đối với tất cả mọi người, kể cả những người trong chúng ta, những người màveve đã nhìn thấy nó. Housshannon Houston

77. Máy bay, xe lửa và ô tô (1987)

Giám đốc: John Hughes John Hughes

Bất cứ ai từng chịu đựng được giao thông kỳ nghỉ trên đường về nhà cho Lễ Tạ ơn đều có thể liên quan đến câu chuyện John Hughes này mặc dù hy vọng bạn chưa bao giờ phải chịu đựng số lượng rủi ro vận chuyển tuyệt đối (không đề cập đến một số thìa vô tình) . Máy bay, xe lửa và ô tô hố một Steve Martin (Neal) nhỏ bé chống lại John Candy (DEL) thường xuyên khi chúng đi về nhà vào các ngày lễ. Thời tiết và thời gian được xếp chồng lên nhau, vì vậy cuối cùng họ đi du lịch cùng với một số kết quả thảm hại. Tất nhiên, không có gì đi theo kế hoạch khi Lễ Tạ ơn ngày càng gần gũi hơn. Sọbonnie Stiernberg và Pete Mercer

76. Walk Hard: The Dewey Cox Story (2007)

Giám đốc: Jake Kasdan Jake Kasdan

Mặc dù đi bộ khó khăn: Câu chuyện Dewey Cox tuyên bố là giả mạo bộ phim tiểu sử và những mô tả cực đoan của họ về các nghệ sĩ, đặc biệt là các nhạc sĩ của Biopics là một sự phản ánh của những người yếu đuối và lập dị của các nghệ sĩ mà họ hồ sơ, vì vậy thật khó để phân biệt một sự châm biếm châm biếm về tiểu sử từ một châm biếm về các nhạc sĩ. Bất kể thể loại nào mà bộ phim rơi vào, Walk Hard không thực sự kéo theo dòng tốt của việc thông minh nhiều như nó cung cấp một cuộc đua thú vị và vô lý với hàng đống tiếng cười. John C. Reilly, người đóng vai ngôi sao âm nhạc đang trỗi dậy và gặp rắc rối Dewey Cox, khéo léo trình bày một nhân vật dopey nhưng vẫn không kết hôn và nông cạn nhưng không thể hoạt động với trái tim của Fool Gold Gold. Nhìn một cái gì đó giống như Johnny Cash đã vượt qua với Tom Waits, Cox có nhiều cơn nghiện, vợ và các giai đoạn âm nhạc. Khát vọng đến một mức độ vượt quá sự vĩ đại sau khi anh ta vô tình giết chết anh trai mình bằng cách chia anh ta một nửa bằng một con dao rựa khi họ là những chàng trai trẻ lớn lên ở Alabama, Cox buộc phải bù đắp cho sự mất mát của anh trai mình, dẫn đến một cuộc sống dư thừa và nuông chiều . Nhưng Reilly là ngôi sao duy nhất của bộ phim. Kristen Wiig tỏa sáng khi người vợ thất vọng của Cox và là mẹ của số lượng con dường như vô hạn của họ; Là người vợ và đối tác song ca thất vọng khác, Jenna Fischer thật tuyệt vời. Tim Meadows rất cuồng loạn với màn trình diễn nổi bật khi người bạn cùng nhóm Cox, người có thể dường như ngừng làm hoặc giới thiệu Cox với các loại thuốc ngày càng nặng. Ngoài ra, các khách mời từ Jack White (Elvis Presley), Jack Black (Paul McCartney), Paul Rudd (John Lennon), Jason Schwartzman (Ringo Starr), Justin Long (George Harrison), Eddie Vedder, Jackson Browne và Lyle Lovett làm bộ phim Thậm chí vô lý hơn. Giống như hầu hết các bộ phim của ilk của nó, Walk Hard có thể quá đỉnh để chứng minh bản thân, nhưng có một điều gì đó quyến rũ về nó, được nhấn mạnh bởi tình yêu âm nhạc và mối quan hệ chân chính của nó đối với các nhạc sĩ. Cũng rõ ràng từ một trong những dòng đầu tiên trong phim (Guy Guys, tôi cần Cox! Chelpamela Chelin

75. Phù dâu (2011)

Giám đốc: Paul Feig Paul Feig

Không giống như The Hangover, về cơ bản là một bản phác thảo hài kịch dài, phù dâu thực sự là một bộ phim. Đây luôn là câu hỏi lớn khi nói đến phim hài. Nếu bạn khao khát tạo ra một trải nghiệm điện ảnh đầy đủ và có nguy cơ xuất hiện ngắn (những người gặp nạn đám cưới) hoặc bạn chỉ đơn giản là bắn vì những tiếng cười vô cảm không ngừng nghỉ và đạt được thành công hoang dã với thành tích ít siêu việt hơn (Anchorman). Phù dâu rất vui nhộn, rạp chiếu phim hoàn chỉnh nhờ sự sáng chói của Kristen Wiig. Và nó có sức mạnh duy trì trong pantheon của bộ phim hài kịch điển hình. Càng chăm sóc

74. Four Weddings and a Funeral (1994)

Director: Mike Newell

The first of several Richard Curtis-penned rom-coms starring Hugh Grant, Four Weddings and a Funeral follows our favorite bumbling Englishman as he repeatedly runs into the love of his life at—you guessed it—four weddings and a funeral. While much of the movie is lighthearted and some of it borders on cheesy (see Andie MacDowell’s infamous “Is it still raining? I hadn’t noticed” line in its finale), its graver moments, like Fiona (Kristen Scott Thomas) dealing with unrequited love or the titular funeral, remind us that love may be goofy and complicated and wonderful, but finding that one true love is serious business. The Academy agreed, nominating the film for Best Picture in a stacked year that included Forrest Gump, Pulp Fiction and The Shawshank Redemption. —Bonnie Stiernberg

73. Harvey (1950)

Wealthy, affable drunk plus imaginary 6’4” bunny equals Pulitzer Prize, Broadway smash, and film adaptation starring the inimitable Jimmy Stewart as Elwood P. Dowd, whose drunken antics are not a problem for the locals until he starts claiming to see a pooka (a trickster spirit from Irish folklore). Suddenly, Elwood’s not so acceptable any more. Except Harvey, the imaginary rabbit, exerts an odd transformative effect on the other characters—with the exception of Elwood’s snobby sister Veta (Josephine Hull), who by the way is the only other person who can see Harvey. Veta tries to have Elwood committed to a mental hospital (his rabbit-antics are interfering with her plans to marry her daughter Myrtle (Victoria Horne) to A Good Match). Veta ends up getting herself committed instead, but the hospital director, Dr. Chumley, begins seeing Harvey as well (awkward…). A whimsical little fantasy/farce with a warm heart, Harvey is also a bit of a meditation of tolerance and the merits of “reality”; the drunken and possibly addled Elwood is significantly happier than the “normals” who surround him. It’s a lightweight film, but the sheer force of James Stewart’s charisma could make just about anything riveting. Even an invisible bunny. —Amy Glynn

72. Clueless (1995)

Director: Amy Heckerling

The Beverly Hills reboot of Jane Austen’s classic Emma was a sleeper smash in 1995 and, much more importantly, gave the phrase “As if!” to pop culture. Alicia Silverstone is Cher, a pretty, vain, superficial LA teen who goes on a mission to turn ugly-duckling classmate Tai (Brittany Murphy) into a Superswan, only to find herself eclipsed and adrift. A soft-edged satire of nouveau-riche Angeleno culture and simultaneously of the teen rom-com genre, Clueless is neither the most subtle nor the most hard-hitting film of its era, but it’s surprisingly seductive, in large part thanks to Amy Heckerling’s scrupulously researched script, which captured a dialogue style that both represented and influenced teen-speak of the time. —Amy Glynn

71. Sherlock, Jr. (1924)

Director: Buster Keaton

You could make a highlight reel of classic silent comedy moments using only Buster Keaton’s Sherlock, Jr., and no one could justly complain. In the 91 years since Keaton made his love letter to cinema, no one has crafted a better examination of the relationship between the audience and the silver screen. Keaton plays a movie theater projectionist and wannabe detective who dreams he walks into a movie screen and becomes a suave hero—the perfect metaphor for the appeal of the movies. He plays with reality through virtuoso special effects, but also captures genuine stunts in single takes. (He broke his neck in one scene and still finished the take.) He daringly subverts structure—the conflict is resolved halfway through the movie with no help from the hero. He brings visual poetry to slapstick with rhyming gags. The laughs coming from failure in the real world and serendipity in the fantasy movie world, but the mechanics parallel each other. And he strings it all into a romp that never stops moving toward more hilarity. —Jeremy Mathews

70. Midnight Run (1988)

Director: Martin Brest

The ’80s created the textbook action/comedy formula, and director Martin Brest was smack dab in the middle of it. His Beverly Hills Cop was originally written as a straight action movie, until Eddie Murphy was cast in the lead role. Instead of keeping the overall self-serious tone of the film and just inserting some out-of-place comedy set pieces into the narrative, Murphy and Brest infused a lighthearted tone across the entire project, while keeping the basic requirements of an action structure in place. Midnight Run, Brest’s follow-up to Beverly Hills Cop, perfects this fusion. None of the action sequences take themselves too seriously, and none of comedy comes across as mugging, desperate to extract easy chuckles. The premise and structure are very simple and fairly predictable: It’s a traditional road movie wherein a grizzled bounty hunter (Robert DeNiro) has to transport a mob accountant (Charles Grodin) across the country, with the mob and the police squarely on their tail. What makes Midnight Run still feel fresh after 30 years is Brest’s aforementioned handle on tone, and the terrific chemistry between DeNiro and Grodin, so on point it’s surprising they weren’t reunited for other similar flicks after this. Usually the rough masculine bounty hunter would be the wild card against the accountant’s stuffy straight man, yet DeNiro and Grodin find refreshing ways of tinkering with that formula, with DeNiro’s character eventually coming across as a regular good guy who was dealt more than a few bad hands, and Grodin as a lovable but sometimes infuriating weirdo. —Oktay Ege Kozak

69. South Park: Lớn hơn, dài hơn và không cắt (1999)

Giám đốc: Trey Parker Trey Parker

Các nhà sáng tạo South Park Trey Parker và lý luận triết học của Matt Stone đằng sau bộ phim chuyển thể màn hình lớn trong chương trình truyền hình nổi tiếng ồ ạt của họ có thể được tóm tắt trong một cuộc trao đổi nhanh chóng trong phim: Sau khi The South Park Kids đột nhiên hợp đồng với miệng bô thông qua Terence và Philip của R- Phim được xếp hạng, một chút bình luận meta ngon miệng, ông Garrison đã tức giận khi những đứa trẻ dường như không thể ngừng phun ra từ F. Theo đó, Kyle trả lời, những gì mà vấn đề lớn. Họ chỉ là lời nói. Mẹ kiếp, chết tiệt, chết tiệt, chết tiệt, chết tiệt! Văn hóa Hoa Kỳ luôn luôn tự mình nói về ngôn ngữ thô thiển, mà không chỉ sẵn sàng nhắm mắt làm ngơ trước bạo lực khủng khiếp và vô nghĩa. Parker và Stone củng cố điểm này khi đất nước dễ dàng rơi vào chủ nghĩa phát xít vì một số thứ tầm thường (nghe có vẻ quen thuộc trong những ngày này?), Rằng họ bỏ qua vô số cái chết xung quanh họ khi họ thực sự làm việc đấu thầu Satan (và Saddam Hussein). Vâng, phim hoạt hình thô thiển và thô thiển này về những đứa trẻ lớp 4 thực hiện những trò đùa rắm đã tạo ra một trong những điều châm biếm mạnh mẽ nhất về văn hóa Mỹ khi chúng ta bước vào thiên niên kỷ mới. Ngày nay, Parker và Stone được biết đến với sự lật đổ như vậy, nhưng tại thời điểm chương trình chỉ diễn ra trong mùa thứ ba của nó, lớn hơn, dài hơn và không cắt được là một cuộc cách mạng hoàn toàn. Và nó vẫn giữ được nhờ vào sự phá hủy dường như không ngừng của sự giả hình của Mỹ mà chúng ta trải nghiệm hàng ngày. CấmKtay Ege Kozak

68. Birdcage (1996)

Giám đốc: Mike Nichols Mike Nichols

Bạn biết những gì khó xử? Khi bạn là chủ sở hữu câu lạc bộ kéo dài của người Do Thái trung niên (Armand, do Robin Williams thủ vai) và đứa con trai thẳng của bạn xuất hiện và yêu cầu bạn kết hôn với bạn gái là con gái của Thượng nghị sĩ Neocon (Gene Hackman) người đứng đầu một cái gì đó gọi là Liên minh cho trật tự đạo đức. Bạn muốn hỗ trợ con của bạn, nhưng bạn không thích bị nó đóng cửa, và cuộc gặp gỡ bữa tối kết thúc có nghĩa là bạn và đối tác của bạn, Albert (Nathan Lane), bị buộc phải vào một cấp độ mới của bạn là thẳng thắn, một tùy viên văn hóa của Hy Lạp, và kết hôn với tình một đêm thẳng thắn (Kinda, do Christine Baranski thủ vai) dẫn đến quan niệm về con trai bạn. Đối tác của bạn bị xúc phạm, Thượng nghị sĩ đang bị các tờ báo lá cải, căng thẳng đang tăng cao và Agador Houseboy (Hank Azaria) của bạn đã đồng ý biến thành một người quản gia Hy Lạp tên là Spartacus, nhưng hãy đối mặt với nó, căng thẳng đang chạy ở mọi phía- Và đó là trước khi em bé của bạn bị bắt gặp giao thông và Albert nhìn thấy cơ hội cho vai trò kéo của cả đời. Hijinks Shakespearean hoàn toàn xảy ra. Bản làm lại của Mike Nichols năm 1996 của các món ăn của Edouard Molinaro không thực sự là những bình luận xã hội, nhưng bên dưới bề ngoài ngôi sao tốt của nó Những trò hề được sắp xếp của Williams và làn đường. Nó thực sự không chỉ là điên cuồng và dí dỏ Trong số đó là Drag Drag (và hey, tất cả chúng ta đều có một, ngay cả khi chúng ta không phải lúc nào cũng thể hiện nó bằng cách đeo lông mi giả và hát Sondheim) được đưa ra ngoài để kiểm tra rất cần thiết. Glynn Glynn

67. Tình yêu say rượu (2002)

Giám đốc: Paul Thomas Anderson Paul Thomas Anderson

Có thể khó nhớ lại, nhưng đã từng có một lần thế giới tin vào Adam Sandler, và chúng ta có P.T. Anderson để cảm ơn vì một cái nhìn thoáng qua của hy vọng. So với phạm vi của sẽ có máu, hoặc sự u sầu của những đêm boogie, hay niềm đam mê không thể chối cãi ở trung tâm của Master, tình yêu say sưa. của một cuộc đấu tranh cho Anderson, tạo tiền đề cho loại truyện tranh sắc sảo, đạo diễn sau đó sẽ là điển hình với phó vốn có. Nhưng khác xa với một chút lông tơ hoặc một cú đâm phản động vào một khán giả lớn hơn, tình yêu say rượu là những gì xảy ra khi một đạo diễn có rất nhiều tiềm năng chưa được khai thác chỉ là những cú ném vào tường để xem những gì gậy. Một câu chuyện tình yêu đơn giản giữa một Milquetoast (Sandler) và người phụ nữ (Emily Watson), người đưa anh ta ra khỏi lớp vỏ xanh, bộ phim là một phần âm nhạc, một phần phim câm và tất cả hài kịch siêu thực. Rằng đây là vai trò tốt nhất của Sandler, hầu như không phải là tranh luận; Rằng đây có thể là nhạc phim hay nhất của Jon Brion, là điều chúng ta có thể nói sau này. Rằng phần còn lại của bộ phim, mà trong bất kỳ đạo diễn nào khác, bàn tay của họ sẽ là một mớ hỗn độn, cảm thấy rất cảm thấy tinh xảo là gần như huyền diệu. Và cái đó? Điều đó, người đàn ông nệm. SINHDOM Sinacola

66. Căn hộ (1960)

Giám đốc: Billy Wilder Billy Wilder

Nhà làm phim Billy Wilder có lẽ có một trong những bản thu âm vĩ đại nhất, đa dạng nhất trong lịch sử phim từ năm 1944 đến 1960. Trong giai đoạn này, ông đã giải quyết một bộ phim từng đoạt giải Oscar về nghiện rượu (The Lost Cuối tuần), hai Noirs được đánh giá cao , Đại lộ Sunset), một bộ phim chiến tranh (Stalag 17), hai rom-coms nhẹ nhàng (Sabrina, bảy năm ngứa) Nó nóng). Tuy nhiên, trong tất cả các khoản tín dụng vàng này, một thành tựu đáng nhớ và đáng nhớ nhất của Wilder, là năm 1960, căn hộ. Jack Lemmon chơi c.c. Baxter, một nhân viên văn phòng đầy tham vọng, tuyệt vọng để leo lên thang công ty, cho phép các ông chủ của mình sử dụng căn hộ của mình để thực hiện các vấn đề kín đáo với tình nhân của họ. Tuy nhiên, mọi thứ trở nên phức tạp, khi anh phát hiện ra rằng người yêu văn phòng của mình, nhà điều hành thang máy kỳ quặc Fran Kubelik (Shirley Maclaine), là một trong những ông chủ của anh ấy. Mặc dù đôi khi trời trở nên khá tối, căn hộ tạo ra sự cân bằng hoàn hảo giữa hài kịch cười và bộ phim truyền hình trung thực về mặt cảm xúc. Sau sự nổi bật trong sự nghiệp đó là màn trình diễn nặng nề của anh ấy ở một số người thích nó, Lemmon ở đây chứng tỏ rằng anh ấy có thể chơi người đàn ông thẳng thắn, thẳng thắn với sự khéo léo như nhau. Tương tự như vậy, vai diễn quyến rũ của Maclaine, là Kubelik bị hư hỏng, nhưng đáng yêu sẽ cung cấp mô hình cho những cô gái mơ mộng pixie hưng cảm trong nhiều năm tới. —Cark Rozeman

65. Địa điểm giao dịch (1983)

Giám đốc: John Landis John Landis

Một lời cắn của Hoàng tử và câu chuyện pauper khi được lọc qua lăng kính của thập kỷ tham lam, các địa điểm giao dịch có sự tham gia của Dan Aykroyd và Eddie Murphy, tương ứng, nhà môi giới cao cấp Louis Winthorpe III và người vô gia cư Vagrant Ray Valentine. Là một phần của thí nghiệm nuôi dưỡng so với thiên nhiên của anh em Duke, hai ông trùm kinh doanh giàu có nhưng vô đạo đức, Louis và Billy cuối cùng đã đột ngột, theo tiêu đề, giao dịch trên thang xã hội. Khung Dukes Louis để buôn bán ma túy, dẫn đến việc anh ta mất cả công việc và bạn gái của anh ta, sau đó bảo lãnh Billy ra khỏi nhà tù và cung cấp cho anh ta công việc cũ của Louis, và căn hộ cao cấp. Khi Billy và Louis khám phá ra sự lừa dối này, họ khởi động một kế hoạch báo thù. Với cả Murphy và Aykroyd ở đầu trò chơi của họ, các địa điểm giao dịch đại diện cho một ví dụ điển hình của loại phim hài thông minh nhưng không quyết định chỉ có thể tồn tại tại một thời điểm nhất định trong thập niên 80 ( Cảnh, ví dụ, sẽ không bao giờ bay trên thị trường ngày nay). Một tác phẩm kinh điển của những năm thập niên 80 nếu có một. —Cark Rozeman

64. Chờ đợi Guffman (1996)

Giám đốc: Christopher Guest Christopher Guest

Người đầu tiên trong số các nhà giả của Christopher Guest, ba người đồng sáng tác với Eugene Levy, chờ đợi Guffman giới thiệu thế giới với một dàn diễn viên sẽ tạo thành xương sống của các dự án khác của họ. Bộ phim được chọn trên đó là truyền thống Spinal Tap, trong khi mang một giai điệu ngọt ngào hơn vào bàn. Corky St. Clair dẫn đầu một nhóm misfits đáng yêu bao gồm nhóm nhà hát thị trấn nhỏ. Họ quyết tâm lọt vào mắt xanh của nhà sản xuất Broadway Mort Guffman, khi họ chơi một vở kịch về lịch sử thị trấn của họ, đỏ, trắng và Blaine. Không cần phải nói, mọi thứ đi sai theo đúng cách. Wickamanda bấc

63. Dumb và Dumber (1994)

Giám đốc: Peter Farrelly, Bobby Farrelly Peter Farrelly, Bobby Farrelly

Có một thương hiệu đặc biệt của chủ nghĩa hư vô được chơi trong lần ra mắt của Farrelly Brothers, một điều mang lại sự ngu ngốc trên hết Sự thiếu hiểu biết của Lloyd (Jim Carrey, người yêu dấu) và Harry (Jeff Daniels, vai trò tốt nhất trong sự nghiệp của anh ấy) đến mức đạo đức cho những nhân vật này là Moot. Không có sức mạnh não bộ cần thiết để hiểu đầy đủ thế giới rộng lớn xung quanh họ, hoạt động ít hơn so với sự say mê của tuổi teen và các mối đe dọa thất nghiệp (cộng với hình ảnh của một người phá hoại bị chặt đầu Người thừa kế giàu có Mary Swanson (Lauren Holly). Nó hoạt động như người ta có thể mong đợi, trong đó nó không hoạt động, và điều đó không quan trọng nhưng không phải là không phát triển nhiều để yêu thích trong hai dipshits này, khiến phần tiếp theo của nó cảm thấy không ngừng bị tinh thần bằng cách so sánh. Sau đó, không có gì đáng ngạc nhiên khi mọi bộ phim Farrelly khác (sans có một thứ gì đó về Mary) đã già đi: Mỹ không cần bất kỳ bộ phim nào có vẻ thực sự tôn vinh những tên khốn ngu ngốc nhất của chúng tôi. SINHDOM Sinacola

62. Trinh nữ 40 tuổi (2005)

Giám đốc: Judd Apatow Judd Apatow

Judd Apatow đã nổi lên như một giọng nói mới trong thế giới hài kịch lãng mạn. Nỗ lực đạo diễn đầu tiên của ông, The 40 tuổi Virgin là một mớ hỗn độn lớn, ngớ ngẩn, vui nhộn của một bộ phim được neo bởi sự quyến rũ dễ dàng của hai nhân vật chính của nó, Steve Carell và Catherine Keener. Sự lãng mạn vô nghĩa của họ là đáng ngạc nhiên và người lớn trong một bộ phim với một tiền đề thái quá và những trò đùa dâm dục. Leslie Mann cũng xứng đáng được tín nhiệm cho cảnh bánh mì nướng Pháp vui nhộn đó. Medina Medina

61. Đèn thành phố (1931)

Giám đốc: Charles Chaplin Charles Chaplin

Trong những năm cuối đời, Charlie Chaplin được biết đến với việc đưa Pathos vào bộ phim hài của mình bất cứ khi nào anh có cơ hội. City Lights là bộ phim mà anh ta kiếm được từng chút một. Trong khi cấu trúc của nó giống với định dạng picaresque thông thường của Chaplin, nhưng có nhiều mục đích có chủ ý khi người đi lang thang cố gắng giúp đỡ một cô gái hoa nghèo, bị mù, được chơi một cách đáng yêu bởi Virginia Cherrill. Harry Myers cũng xứng đáng được nhắc đến cho màn trình diễn của mình với tư cách là triệu phú, người hào phóng khi anh ấy say rượu và có thể nhớ được những việc tốt của mình khi anh ấy tỉnh táo. Mathjeremy Mathews

60. Harold và Maude (1971)

Giám đốc: Hal Ashby Hal Ashby

Đánh giá ban đầu hàng ngày bắt đầu từ ‘Harold và Maude, có tất cả những niềm vui và sự vui vẻ của một trại trẻ mồ côi đang cháy. Lịch sử đã tử tế hơn. Mặc dù nó có thể là bộ phim đen tối nhất trong danh sách này, Harold và Maude chắc chắn là một bộ phim hài lãng mạn. Young Harold (Bud Cort) và Maude 79 tuổi (Ruth Gordon) tìm thấy tình yêu. Và thật là buồn cười khi Harold tìm thấy những cách ngày càng khủng khiếp hơn để sợ những người cầu hôn được gửi bởi mẹ anh ta. Nhưng kiệt tác của Hal Ashby, không giống bất cứ điều gì chúng ta đã thấy trước đây hoặc kể từ khi phát hành năm 1971, và Gordon rất xuất sắc với tư cách là người Sepuagenarian trong giấc mơ pixie. Chỉ cần don đi trong việc mong đợi một hạnh phúc mãi mãi. CấmJosh Jackson

59. Mất ở Mỹ (1985)

Giám đốc: Albert Brooks Albert Brooks

Khi nước Mỹ trở nên vật chất hơn và tự cho mình là trung tâm vào cuối những năm 70 và 80, khi Yuppies thay thế những người hippies, hạnh phúc vật chất trở nên dễ đạt hơn đối với người Mỹ trung lưu (chủ yếu là người da trắng), hàng triệu người cố gắng vô ích để lấp đầy lỗ hổng tâm linh bên trong họ với xe hơi, nhà cửa và bất kỳ thứ gì bị phân tâm từ sự nhàm chán. David Howard (Albert Brooks), người đàn ông quảng cáo an toàn nhưng không có cảm xúc ở trung tâm của bộ phim hài tinh túy thời bấy giờ của Brooks, thấy mình ở giữa cuộc xung đột bên trong như vậy. Anh ta vừa được thông qua để được thăng chức rất xứng đáng với một công việc mà anh ta ghét, vì vậy anh ta quyết định ban hành bộ phim yêu thích của mình, Easy Rider, và đi đến một chuyến đi đến Found Found America với người vợ không kém và e ngại của anh ta Linda (Julie Hagerty trong màn trình diễn tốt nhất trong sự nghiệp của mình). Ngay khi cặp đôi nhiệm vụ tâm linh bắt đầu, chủ nghĩa lý tưởng thập niên 60 của họ ngay lập tức đụng độ với chủ nghĩa duy vật của thập niên 80. Lost in America là đối trọng hoàn hảo với bộ phim mà họ đang cố gắng thi đua: họ có quá thuần hóa bởi văn hóa thập niên 80 để thực sự giải phóng tâm trí của họ không? CấmKtay Ege Kozak

58.

Giám đốc: Frank Oz Frank Oz

Câu chuyện về hai đối thủ Con người làm việc một người thừa kế giàu có là một bộ phim hài kinh điển vì hai lý do: Steve Martin và Michael Caine. Xem người hối hả trên đường phố Mỹ của Martin Freddy Benson cố gắng học hỏi và đánh lừa người cố vấn bất đắc dĩ của mình, Lawrence Jameson tinh tế của Caine, trong khi cả hai đều cố gắng giành được một vụ cá cược 50.000 đô la từ nhãn hiệu đã đồng ý của họ (Glenne Headly là Janet Colgate), cung cấp nhiều Cười, ngay cả khi cốt truyện khá thông thường. Với Benson giảm xuống để chơi Dimwit Ruprecht, Steve Martin đang ở trong bộ phim hài thể chất của mình. CấmJosh Jackson

57. Các nhà sản xuất (1967)

Giám đốc: Mel Brooks Mel Brooks

Trong những năm 50 và thập niên 60, Mel Brooks chỉ là một diễn viên hài, mặc dù là một người đặc biệt xuất sắc. Anh ấy đã viết cho các chương trình truyền hình như chương trình chương trình của bạn và Get Smart, và có một bộ đôi hài kịch với Carl Reiner đã sinh ra ba bản thu âm trong hai năm. Nhưng bằng văn bản và chỉ đạo các nhà sản xuất, câu chuyện mang tính biểu tượng của một nhà sản xuất tại sân khấu Broadway được biết đến với flops (Zero Mostel) và một kế toán viên hiền lành (Gene Wilder), người đã hợp tác với Rob Investor Có thể đã trở thành diễn viên hài nguyên mẫu-đạo diễn vì chúng tôi hiện đang hiểu cụm từ (ít nhất là cho các cuộc trò chuyện.). Các nhà sản xuất vẫn hài hước hơn bao giờ hết, mặc dù được thuần hóa một cách thú vị so với sự náo động mà nó gây ra và các nhà sản xuất đã từ chối chạm vào nó. Nó cũng hoàn toàn khác với các lễ hội meta của Frankenstein trẻ tuổi và những chiếc yên ngựa rực rỡ. Nhưng nó đã tuyên bố Brooks là nhà vô địch của bộ phim hài kỳ lạ trên phim cho phần còn lại của thế kỷ 20, và do phát hành là một bộ phim nghệ thuật, đã biến anh ta thành một loại auteur mới. Techgraham Techler

56. Girls Mean (2014)

Bên cạnh sự vĩ đại của một lớp lót của nó, Mean Girls đã chịu đựng vì nó là một phiên bản phóng đại về mặt điện ảnh của sự thật. Cuộc sống tuổi teen thực sự cảm thấy như đang ở trên Safari, với cùng một hormone điên, sự thôi thúc lãnh thổ và lợi thế cạnh tranh. Và các cô gái thực sự có thể có một tâm lý tổ ong, bám vào bất cứ điều gì liên minh không thể chấp nhận được sẽ cho phép họ ủng hộ sự ủng hộ với những điều phổ biến nhất trong số họ. Trong hình dạng của Regina George, những cô gái trung bình cho thấy những cô gái xinh đẹp nhất thường được nâng lên vị trí của Alpha, và cậu bé, nó có thể đi vào đầu họ. CấmChristina Newland

55. Tin tức phát sóng (1987)

Giám đốc: James L. Brooks James L. Brooks

Một trong những bộ phim hài lãng mạn được viết, được viết tốt nhất của The Wrel 80, phát sóng tin tức về màn trình diễn của Holly Hunter, William Hurt và Albert Brooks. Chắc chắn, nó nói lên những điều về tình trạng truyền thông, một số trong đó là một người khá tiên đoán, nhưng xem bộ phim ba người dẫn dắt nhân vật của họ là một niềm vui trong chính nó. Giới thiệu Burgin

54. The Gold Rush (1925)

Giám đốc: Charles Chaplin Charles Chaplin

Klondike Gold Rush đã tạo nên khung cảnh hoàn hảo cho Tramp Charles Chaplin, chạy hoang dã. Chaplin đã lấy tất cả các họa tiết mà anh ta có thể tìm thấy từ tiểu thuyết phiêu lưu, melodramas và những câu chuyện khác của biên giới phía bắc, ném chúng vào máy xay sinh tố và phục vụ một bộ sưu tập những gì sẽ trở thành những cảnh nổi tiếng nhất của anh ta. Anh ta tìm thấy sự hài hước trong tình trạng nguy hiểm với một cảnh trong cabin đang hồi hộp, cũng như sự đói khát (khi anh ta nổi tiếng làm một bữa ăn khởi động của mình) và dĩ nhiên tìm thấy thời gian để thể hiện với cảnh quay nhảy của anh ta. Tuy nhiên, không ai thành công trong việc tìm kiếm bất kỳ sự hài hước nào trong giọng nói tàn bạo Chaplin đã thêm vào phát thanh phát thanh viên năm 1942. Hãy chắc chắn để xem phiên bản gốc. Để có một sự nghiêm túc hơn về những khó khăn của Klondike, hãy xem Clarence Brown, con đường mòn của Trail98 (1928).

53. Royal Tenenbaums (2001)

Giám đốc: Wes Anderson Wes Anderson

Hai bộ phim đầu tiên của Wes Anderson đã diễn ra ở Texas của tuổi trẻ. The Royal Tenenbaums chuyển câu chuyện của mình đến thành phố New York được nhận nuôi của mình. Và câu chuyện là một câu chuyện cầu kỳ thời thơ ấu và tuổi trưởng thành và những tác động to lớn người ta có đối với người kia. Các hoàng gia hoàng gia trong tiêu đề đề cập đến nhân vật Gene Hackman. Royal Tenenbaum là tộc trưởng của một gia đình thần đồng thời thơ ấu: Chas (Ben Stiller), một thiên tài toán học với một người đứng đầu kinh doanh; Richie (Luke Wilson), một ngôi sao quần vợt; và con gái nuôi Margot (Gwyneth Paltrow), một nhà viết kịch. Bộ phim bắt đầu bằng việc Royal tuyên bố tách khỏi vợ, Etheline (Anjelica Huston) trước khi đón nhiều năm sau đó với những đứa trẻ đã thành công và thất bại lớn. Khi Etheline chuẩn bị kết hôn lại với kế toán lâu năm của cô (Daniel Glover), Royal tuyên bố rằng anh bị ung thư dạ dày và cố gắng hòa giải với gia đình mà anh đã bỏ rơi. Sự bất ổn của gia đình và đấu tranh cho sự cứu chuộc sẽ trở thành đặc điểm nổi bật của Anderson, Oeuvre, nhưng ở đây, với một dàn diễn viên tài năng cũng bao gồm các cộng tác viên thường xuyên Bill Murray, Owen Wilson và Kumar Pallana, món quà Auteur, vì đã làm hài lòng sự hài hước vì vô vọng. Như mọi bộ quần áo được thiết lập, mọi mặt hàng của quần áo dường như và mọi khung máy ảnh đối xứng dường như được quản lý một cách tỉ mỉ, các nhân vật đang vượt khỏi tầm kiểm soát; Sự tuyệt vọng của họ được cảm nhận sâu sắc, và sự cứu chuộc của họ đóng vai trò là một bản phát hành hưng phấn. Nó là một bộ phim đẹp cả về mặt thị giác và cảm xúc và vẫn còn thành tích của Anderson, sau ngần ấy năm. CấmJosh Jackson

52. Tootsie (1982)

Giám đốc: Sydney Pollack Sydney Pollack

Bạn có thể tưởng tượng làm thế nào khán giả và các nhà phê bình có thể phản ứng với Tootsie nếu nó ra rạp ngày hôm nay? Bộ phim Sydney Pollack, đóng vai trò với vai trò giới và lớp chân dung của một diễn viên đi đầy đủ với sự hoảng loạn đồng tính cho Giggles. Bạn chỉ có thể hình dung bộ phim này bị Lambasted vào năm 2015 vì đã làm một trò đùa từ đồng tính luyến ái và vì đã yêu cầu người xem thông cảm với hoàn cảnh của một diễn viên phải ăn mặc như một người phụ nữ để tìm việc làm. Nhưng lý do Pollack từ 1982 tồn tại cổ điển là vì trái tim từ bi của nó. Đây là một bộ phim đồng cảm, đồng cảm, đặt anh hùng của nó, Dustin Hoffman, người cầu toàn cáu kỉnh, Thespian Michael Dorsey, trong đôi giày của các đồng nghiệp nữ của anh ta để dạy anh ta (và chúng tôi) một bài học, không gây ra những trò đùa ngáy với chi phí của người khác giới. Sự hài hước không bao giờ có nghĩa là tinh thần; Thông điệp hiếm khi hào hoa, mặc dù khi đó, đó là một phần của điểm. Bộ phim hài sắc sảo của Tootsie, làm cho nó trở thành một phần giải trí tuyệt vời, nhưng nó là bộ phim nhạy cảm chân thành khiến nó trở nên vô tận. Tiếng crump

51. Một câu chuyện Giáng sinh (1983)

Director: Bob Clark

To wring something as genuinely warm and heartfelt as it is hilarious from a central theme of rampant consumerism is a rare thing. To supplant Christmas Day TV scheduling previously reserved only for classics like It’s a Wonderful Life and Miracle on 34th Street is quite another. Director Bob Clark assembles a pool of onscreen talent who were clearly born to inhabit Jean Shepherd’s treasured story of childhood amidst Major Awards, first swear words, cynical Mall Santas, and—of course—the ruminations on what it truly means to shoot your eye out. —Scott Wold

50. Borat: Cultural Learnings of America for Make Benefit Glorious Nation of Kazakhstan (2006)

Director: Larry Charles

It’s easy to overlook or underrate Borat in 2016, or Borat: Cultural Learnings of America for Make Benefit Glorious Nation of Kazakhstan, given the Sacha Baron Cohen movies that followed. The likes of Bruno and The Dictator managed to water down Cohen’s original statement, but his faux-documentary about an awkward Eurasian traveler remains kind of brilliant. It was a wide-release comedy that plainly and critically looked at an average American attitude of dismissiveness and outright xenophobia toward people we don’t understand, as well as a willingness to feign earnestness if they thought taking advantage of Borat might somehow benefit them. Borat might say things that are naive, but at least they’re sincere products of the character’s fictitious upbringing. Borat the character is no charlatan—the “real” people he meets in America, on the other hand, can’t make the same claim. One final aside: This film, along with Anchorman, is the loudest I’ve ever heard an audience laugh in a multiplex theater. —Jim Vorel

49. Ghostbusters (1984)

Director: Ivan Reitman

As the slew of ’80s merchandise and a cartoon series would prove, Ghostbusters had mass-appeal with kids. The film followed a team of parapsychologists—played by Dan Aykroyd, the late Harold Ramis, Ernie Hudson and Bill Murray—who tackle big-ghost issues in New York City. Sure some of the effects are dated, but this one has staying power. And although the bad guys come from beyond the grave, they’re also kid-friendly, with the begging-to-be-a-plush-toy Slimer and a giant Stay-Puft Marshmallow Man. Pass this classic comedy along to the next generation. —Tyler Kane

48. L.A. Story (1991)

Director: Mick Jackson

Few would argue that Steve Martin doesn’t receive his due as a comedian. Nonetheless, among his filmography, L.A. Story does not always get the attention shown earlier efforts such as The Jerk or Planes, Trains and Automobiles or the somewhat blander fare that came in the 2000s. Depending on how one looks at it, that’s shame or perhaps just an opportunity to discover a hidden gem among Martin’s impressive oeuvre. In the hands of a lesser artist, L.A. Story could have easily just been another hit-or-miss collection of cultural clichés—sustained whimsy is not easy to pull off. Instead, Martin’s writing, Mick Jackson’s direction and a stellar cast present a beguiling love letter to the City of Angels and the people who live there. (If you’ve ever wondered how Sarah Jessica Parker became a star, consider this film Exhibit A.) Other Martin films on this list may well yield more laughter by volume, but L.A. Story will bring a smile on your face, and keep it there for the duration. —Michael Burgin

47. The Naked Gun (1988)

Director: David Zucker

The final hoorah from the comedy trio David Zucker, Jim Abrahams and Jerry Zucker—ZAZ for short—The Naked Gun is so stupid it’s hilarious. This, of course, was ZAZ’s secret weapon in films like Airplane!, and in Leslie Nielsen’s stone-faced imbecility they found their muse. A former dramatic actor, Nielsen rejuvenated his career by playing Frank Drebin, a hapless L.A. police detective trying to prevent the assassination of Queen Elizabeth. (And in his courting of possible femme fatale Priscilla Presley, he taught us the importance of wearing full-body condoms.) A wonder of slapstick and deadpan silliness, The Naked Gun makes jokes about terrorists, gay panic, boobs, even “The Star-Spangled Banner.” There’s a character named Pahpshmir. Good lord, it’s all so gloriously idiotic. —Tim Grierson

46. Arsenic and Old Lace (1944)

Director: Frank Capra

Some films are artistically groundbreaking and writ-large Important. Some are just such a good time that they last decade after decade. Frank Capra’s adaptation of this darkly comedic Broadway play (some of the Broadway cast reprised their roles in the film) stars Cary Grant as Mortimer Brewster, one of a family of Mayflower bluestocking WASP types who have, over the generations, become—I think the phrase is criminally insane? Brewster, an author of many tomes on the stupidity of marriage, gets married. On the eve of the honeymoon he drops by his family home to meet check in with his loony and sweetly homicidal aunties, a charmingly delusional uncle who believes he is Theodore Roosevelt, and his brother, Jonathan, who has bodies to bury and a flat-out crazy alcoholic plastic surgeon in tow. Peter Lorre plays the surgeon, who has altered Jonathan’s face to make him look like Boris Karloff (naturally). And that’s just the setup. More than seven decades after its release, this film is still snort-soda-out-your-nose funny. Even though it’s tame, and a bit hammy by contemporary standards, the endurance of this film is a testament to both the wonderful script and the magic of Frank Capra with a stable of really talented comedic actors at his disposal (and not in the “bodies in the basement” sense). —Amy Glynn

45. Being There (1979)

Director: Hal Ashby

In terms of directorial output in a decade, Hal Ashby’s run in the 1970s is impressive. Starting with 1970’s The Landlord and ending with Being There, Ashby’s films racked up 24 Oscar nominations and seven wins. But while Harold and Maude, Shampoo and Coming Home compete for the hearts and minds of Ashby fans, it’s Being There that stands out both for its timelessness and timeliness. In the story of the childlike Chance (Peter Sellers, in a role that redeemed a sagging reputation), a gardener whose innocence and simplicity confuses and gets misread by the “savvy” players of Washington, D.C., Ashby shows how gentle humor can express sharp truths about all-too-human foibles. —Michael Burgin

44. There’s Something About Mary (1998)

Directors: Bobby Farrelly, Peter Farrelly

This was the moment Ben Stiller became Ben Stiller and Cameron Diaz became everyone’s crush. There’s Something About Mary was a movie that loved its protagonist but let us all laugh with him as every wrong decision (and unfortunate zip) compounded with serious interest. We love this movie the way Ted (plus characters played by Matt Dillon, Chris Elliott and Brett Fav-er-uh) love Mary—a little obsessively.—Josh Jackson

43. Office Space (1999)

Director: Mike Judge

Great comedy almost always has a dark heart. (The flipside is also true of great horror: It almost always teeters on the edge of farce). But this makes sense: Laughter is our response to absurd and unexpected contradictions; comedy needs its darkness to fully flourish. Mike Judge, the writer/director of Office Space, knows this well. His humor concerns the lowest, saddest schmucks on the corporate ladder (thus 99% of us can relate) who mostly feel dead inside, turning to Kung Fu films and cheap beer to escape. It’s a subject as old as capitalism itself: Most of us are unhappy, not doing what we want, feeling our dreams escaping us more and more with each passing day. For protagonist Peter Gibbons (Ron Livingston), his goal is a subversive joy: Independently, from no wellspring of societal angst (unlike, say, The Graduate’s Benjamin Braddock), he wants to do nothing. And besides being a hilarious antidote to scores of predictable, cookie-cutter hyperactive hero-protagonists, his needs feel absolutely real, and is what the corporate rat race deserves in an anti-hero. The do-gooder replaced by the do-nothing. It also helps that Judge has a cast perfectly on board with his tone. Together, they turn caricature into depth, a cartoon into vivid life. —Harold Brodie

42. Four Lions (2010)

Director: Chris Morris

Four Lions proves once again that great comedy can be extracted from the dodgiest and most painful subjects, mixing slapstick with dry British humor to tell the story of four would-be radical Islamic terrorists hell-bent on bringing down the evil capitalist heathen of the West. Only one problem (well, a couple of them): They have no real connections, skills, or ability to plan anything, suffering from varying degrees of resolve when it comes to blowing themselves up for their cause. In other words, they are terrible at their dream jobs. As unrelenting as Four Lions can be in the way that it pokes fun of its central four characters, they film never adopts a farcical tone, instead never shying from the dangerous ramifications of their actions, no matter how incompetently they go about them. Deftly executed by co-writer/director Christopher Morris, who should be known States-side as the neurotic boss during the first season of The IT Crowd, and a pre-mopey, pre-The Night Of Riz Ahmed in a hilarious leading turn, Four Lions demonstrates a careful, masterful directorial hand. Plus it contains the best line about suicide bombing in any movie: “His soul will reach heaven before his head hits the ceiling.” —Oktay Ege Kozak

41. Ferris Bueller’s Day Off (1986)

Director: John Hughes

John Hughes’ zeitgeist-y, fourth wall-busting ode to rich, entitled suburban youth vs. killjoy authority announced Matthew Broderick as a bona fide star, and gave us a chillingly prescient glimpse at Charlie Sheen’s future in an admittedly funny bit role. Breakfast Club aside, out of all Hughes’ decade of teen-centric movies set in the Chicago area, Bueller has almost certainly endured the best, and without all that tortured pretentiousness. —Scott Wold

40. Safety Last! (1923)

Directors: Fred C. Newmeyer, Sam Taylor

“I shouldn’t have bothered scoring the last 15 minutes,” Rodney Sauer of the Mont Alto Motion Picture Orchestra told me after accompanying Safety Last! at the San Francisco Silent Film Festival. He said he and his ensemble couldn’t even hear themselves over the uproarious laughter in the Castro Theatre during Harold Lloyd’s famous building-scaling sequence. The scene, with its famous clock-hanging finale—is such a perfect mix of suspense and comedy that it doesn’t much matter that the rest of the film seems to exist merely as a lead-up to it. —Jeremy Mathews

39. Friday (1995)

Director: F. Gary Gray

In Straight Outta Compton we witness Ice Cube finish writing Friday with finality, as if he’d begun a week prior by declaring, “I will now write a screenplay,” and then a week later at his kitchen table putting down a pen and saying, “There. I’m finished writing a screenplay.” We’re willing to accept that Ice Cube once did little more than decide to write a screenplay, and then did, and then made the movie, and then people loved it, because in that movie Ice Cube is our hero, a person who found no real difference, no barrier of entry, between wanting to do and then doing, despite much of his world forcefully telling him otherwise. In Friday, Ice Cube plays Craig, a young guy from south central L.A. whose best friend Smokey (Chris Tucker) implicates him in a $200 debt to Big Worm (Faizon Love), among the many problems Craig encounters throughout the course of the day. Chief among them: Deebo (Tony Lister Jr.), the neighborhood bully so without human empathy he’ll steal a man’s bike and then wait for the man to return just to uppercut him so hard the man’s lifted a few feet in the air. At least that’s how Smokey tells it. Craig even responds, laughing, “You’re lying,” but later Smokey’s story is proven true, at least in spirit, when Craig brains Deebo with a brick instead of shooting Deebo with a gun, which up until that point seemed to be the only viable option. The gun never fires, though it was introduced in the first act. Even if something like that matters to you, chances are that in Friday you never noticed. —Dom Sinacola

38. Rushmore (1998)

Director: Wes Anderson

Rushmore introduced the world to Jason Schwartzman and helped pivot Bill Murray’s career from broad comic to art-house juggernaut. An unlikely inter-generational love triangle leads to one of the most entertaining feuds in filmdom. Schwartzman’s Max Fischer is an ambitious yet academically underachieving student at the prestigious Rushmore Academy in Houston, and Bill Murray plays wealthy industrialist Herman Blume. The two strike up an unexpected and unconventional friendship, but both end up falling for Rosemary Cross (Olivia Williams), a teacher at Rushmore. When Max goes too far in trying to prove himself to Ms. Cross by breaking ground on a new building without the school’s permission, he’s finally expelled and ends up in a soul-crushing public school. To make matters worse, he finds out that Herman has begun dating the object of his desire. As with Bottle Rocket, Rushmore was co-written by Owen Wilson who, like Max, was expelled from a prep school. He and Anderson began work on the script long before Bottle Rocket was filmed, and Rushmore contains even more of the DNA found in the rest of Anderson’s catalog. Few films remain re-watchable into the double digits, but this one just keeps getting funnier. —Josh Jackson

37. Singin’ in the Rain (1952)

Directors: Gene Kelly, Stanley Donen

Though only modestly successful upon release, Singin’ in the Rain rose in critical esteem to become widely considered the best movie musical of all time. A comedic take on the difficult 1920s transition from silent film to “talkies,” the film stars Gene Kelly as a popular silent film star (and dancer, of course), and Jean Hagen as the vain and irritating costar his studio keeps pairing him with romantically. Perhaps the definitive MGM Technicolor musical, the story is adorable and the singing is terrific, but I’m not sure any of its many, many virtues can top the pure explosive vitality and joy that is Gene Kelly in motion. I defy you to watch this and not feel ridiculously happy. —Amy Glynn

36. Wet Hot American Summer (2001)

Director: David Wain

A cult film that’s long since surpassed that status, Wet Hot American Summer is a lot of things: It’s hilarious; it’s perfectly cast; and it’s a clear demonstration that Christopher Meloni has more range than simply playing a dour sex crime detective. But what makes it so brilliant, 15 years later and with a Netflix series on lock, is that it’s so painfully, relentlessly nihilistic. We could trade quotable lines for days (my personal favorites being what Jon Benjamin’s can of vegetables admits he’s acrobatically capable of, and then Paul Rudd bluntly refusing to make out with Elizabeth Banks’s character due to her burger flavor), but the key to the movie’s endurance—past its timelessness grounded in a specific brand of ’80s sex romp flick—is the way in which it treats nostalgia. Like Wain, Michael Showalter and Michael Ian Black’s Stella series, Wet Hot American Summer, which takes place over the course of Camp Firewood’s last day, exists in a bleakly amoral world. Here, bad things happen to good people—and really only to good people. Wain takes innocence and obliterates it, punishes it, gleefully destroying all nice memories anyone would ever hold dear about long lost summers, first loves and youth. Without a shred of wistfulness, Wet Hot American Summer surpasses its origins in parody and becomes something more: It earns its comedy. Taunting our very explicitly American tendency to let everything we touch devolve into sentimentality, the film proves that when we obsess over remembering ourselves at our best, we might as well be celebrating us at our worst. —Dom Sinacola

35. Horse Feathers (1932)

Director: Norman Z. McLeod

Before Animal House and Old School even thought of poking fun at American college life, there was the hysterical Horse Feathers, the 1932 film that shows Groucho as newly appointed Professor Quincy Adams Wagstaff. We see Wagstaff attempt to recruit true pros for the university football team, which results in newly enrolled Harpo and Chico wreaking havoc across the university. —Tyler Kane

34. Caddyshack (1980)

Director: Harold Ramis

There are four faces on the Caddyshack poster, and all of them are equally crucial to the film’s enduring popularity. From Ted Knight’s aristocratic bluster, to Rodney Dangerfield’s irreverent populism, to the glib playboy Chevy Chase, to Bill Murray’s iconic idiot, Caddyshack has one of the greatest casts of any comedy in memory. Add in a sharp script from National Lampoon co-founder Doug Kenney and amiably shaggy direction from Harold Ramis, and you have an all-time classic. —Garrett Martin

33. The Kid (1921)

Director: Charlie Chaplin

Leave cynicism at the door: The Kid is for the wide-eyed optimists of the world. This loving movie is often hilarious and at times truly heart wrenching in its portrayal of a father and his adopted son. With the restored 4K version of Chaplin’s 1972 rerelease, he has never looked better on Blu-ray. Jackie Coogan also shines, running the gamut from giggles to tears in the role of John, and Chaplin’s Tramp character may not have been portrayed more sweetly than here. His full-length feature debut, The Kid is the work of a true auteur, and a serious master. In the realm of comedy Chaplin manages a wealth of emotions, something that would follow with his later, more politically charged films. The power and depth of 1952’s Limelight can still be traced back to The Kid. Chaplin knew what he was doing, and there’s nothing juvenile about this early work. Special features include audio commentary by Chaplin historian Charles Maland, as well as deleted scenes and titles from the original 1921 version. Do not ignore this one, cinephiles. —Nelson Maddaloni

32. Sullivan’s Travels (1941)

Director: Preston Sturges

How much does an artist need to suffer for their art? Can a storyteller tell a story that isn’t their own? When are you making an honest-to-goodness piece of art, and when are you just playing a sick game of nostalgie de la boue? Sullivan’s Travels doesn’t exactly answer these questions as much as it wields them like blunt instruments for punishing its protagonist, John L. Sullivan (Joel McCrea), a hot ticket in Hollywood known for churning out money-making flicks with no substantive value. He’s a fraud, his work is empty, and he knows it, so like any hack who desperately needs artistic validation to assuage his feelings of creative guilt, he hefts a hobo stick over his shoulder and hits road in the guise of a down-on-his-luck tramp, followed all the while by a lavish double-decker bus as well as the inescapable grip of his own prestige. If you’re a fan of the screwball niche of comedy filmmaking, you have to know Sullivan’s Travels, one of the best examples of its category; screwball movies aren’t simply about zaniness but energy, inertia, momentum, the snowballing power of a silly premise when backed by an intelligently designed madness. —Andy Crump

31. Bull Durham (1988)

Director: Ron Shelton

I believe in ridiculous names like Crash Davis and Nuke LaLoosh. I believe in romantic comedies about giving up on a certain phase of your life where characters stand up and deliver cliched “I believe” speeches that, despite being borderline cheesy, somehow ring completely true. And yes, I too believe there should be a Constitutional Amendment banning Astroturf and the designated hitter. I believe in Bull Durham. The most engaging presentation of the minor-league life on film—and a pretty salute to baseball, in general—this first installment in the unofficial Kevin Costner Baseball Trilogy proved that baseball could equal big box office. Costner and Susan Sarandon anchor this film that does its part to engender a love for the game and the people who court it. —Bonnie Stiernberg & Michael Burgin

30. The Odd Couple (1968)

Director: Gene Saks

Few onscreen pairings in the history of cinema have boasted quite the same spark as Walter Matthau and Jack Lemmon, with the former’s bone-dry demeanor perfectly augmenting the latter’s flighty, neurotic energy. Out of the 11 (yes, 11) films the two did together, perhaps the quintessential entry for many is this 1968 adaptation of Neil Simon’s hit Broadway play, The Odd Couple. Here, Matthau plays slovenly sports writer Oscar, whose life is turned topsy-turvy when his cleanly, high-maintenance friend Felix moves in with him. In the decades since the film’s release, its high-concept premise has spawned so many imitations in both film and TV that the “odd couple” concept has become a sub-category of its own. However, despite all the numerous iterations of the story over the years, including a 1970s ABC comedy series, a well-received Broadway revival with Nathan Lane and Matthew Broderick and a forthcoming CBS series starring Matthew Perry and Thomas Lennon, few can hold a candle to what Matthau and Lemmon achieved with this first go-round. —Mark Rozeman

29. Anchorman: Truyền thuyết về Ron Burgundy (2004)

Giám đốc: Adam McKay Adam McKay

Will Ferrell là một ngôi sao điện ảnh trước năm 2004, mang cả trường học cũ và Elf, nhưng anh vẫn không thể tách rời với vai trò là San Diego Newscaster Ron Burgundy, một nhân vật gắn liền với nhận thức của chúng tôi về Ferrell như một diễn viên mà mọi vai diễn tiếp theo dường như chứa sắc thái của anh ta. Bây giờ McKay có một giải Oscar dưới vành đai của mình, anh ấy đã nhận được nhiều sự công nhận hơn anh ấy khi anh ấy chỉ đơn giản là người đàn ông đứng sau máy ảnh trên những bộ phim hay nhất của Ferrell. Anchorman đã nâng cao ante trên sự mất trí tuyệt đối của Zoolander, và cuối cùng trở thành một bộ phim hay hơn cho nó, nhưng đúng với các tuyến đường ngẫu hứng ở Chicago của McKay . Ferrell là một thiên tài có thể chứng nhận được theo cách riêng của mình, và chắc chắn là trung tâm của vũ trụ trong mỗi bộ phim này, nhưng thế giới xung quanh Ferrell thuộc về McKay, và Anchorman tuyên bố đến một người xây dựng thế giới hài kịch không thỏa hiệp. Techgraham Techler

28. Lebowski lớn (1998)

Giám đốc: Joel Coen Joel Coen

Jeff, anh chàng Dude Lebowski có nhiều thời gian trên tay, đủ để đi xa những ngày đuổi theo một tấm thảm bị đánh cắp, ít nhất là anh ấy khó có thể mặc quần áo vào buổi sáng, những người Nga da trắng thích công việc của mình (tình cờ, tình cờ, Anh ta không có một người thực sự) và quanh quẩn với một loạt những người đam mê bowling không ổn định về mặt cảm xúc. Bất kỳ nhiệm vụ nào bạn đặt ra anh ta dường như bị ràng buộc để thất bại. Tuy nhiên, đó là niềm vui vĩ đại, và chiến thắng vĩ đại của anh em Coen, The Big Lebowski và anh hùng của Slacker Slacker. Anh chàng này là một hiệp sĩ trong quần pj ầm ầm, một chiếc áo choàng chainmail của anh ta, một con ngựa trắng của anh ta. Các cuộc đình công và máng xối, thăng trầm, anh ta có cuộc sống trong tình trạng khó khăn, sải bước, và hơn cả những vẻ ngoài đẹp đẽ và những điểm mạnh vô song, có phải là thứ mà tất cả chúng ta nên khao khát không?

27. Kỳ nghỉ quốc gia Lampoon (1983)

Giám đốc: Harold Ramis Harold Ramis

Sau ba phần tiếp theo và một trò chơi nhảm nhí theo nghĩa đen, ông Legacyquel, thì kỳ nghỉ ban đầu vẫn là vua của những bộ phim hài gia đình không có fs-given. Lý do chính tại sao bộ phim đầu tiên đứng đầu và vai trên những người khác (bao gồm cả kỳ nghỉ Giáng sinh) rất đơn giản: nó không coi những điều không tốt Gia đình hạt nhân trắng, Mỹ, trung lưu, một trong đó một loạt những bất hạnh xảy ra không có lỗi của chính họ. Trong kỳ nghỉ, những người khổng lồ rất tuyệt vời với đất nước đang thay đổi nhanh chóng của họ: họ vô ích, được hưởng và quá tự ái để hoạt động như một đơn vị gia đình lành mạnh, đến mức chúng ta hiểu rằng ngay cả khi không có nhiều tình huống không may mắn, họ Đi qua, chuyến đi đến Wallyworld của họ vẫn sẽ là một thảm họa. Thông qua tộc trưởng Clark Griswold, nhà văn John Hughes, nam diễn viên Chevy Chase và đạo diễn Harold Ramis tạo ra biểu tượng tuyệt đối về quyền lợi của Baby Baby Boomer. Giống như nhiều loại của mình, Clark nghĩ rằng anh ấy đã nợ thế giới, tất cả những gì anh ấy nói hoặc làm là đúng và anh ấy đã hoàn toàn thống trị gia đình mình. Khi anh ấy không nhận được sự tôn trọng và khốn nạn, anh ấy biết mình xứng đáng, anh ấy nhân đôi sự ngu ngốc của mình và làm cho mọi thứ tồi tệ hơn. Đó là lý do tại sao sự hài hước trong kỳ nghỉ dễ sờ so với các phần tiếp theo; Bộ phim hài xuất phát từ các nhân vật và châm biếm sâu sắc, không chỉ là hoàn cảnh bên ngoài và bộ phim sitcom. Mặt khác, cảnh suy sụp thần kinh không thể tránh khỏi của Clark sẽ xảy ra như bị bắt buộc, thay vào đó là một trong những cảnh phim hài hước nhất của bộ phim. CấmKtay Ege Kozak

26. Tình yêu và cái chết (1975)

Giám đốc: Woody Allen Woody Allen

Những bộ phim hay nhất của Woody Allen, những bộ phim trước đó, tình yêu và cái chết giới thiệu Allen, hai chủ đề yêu thích (xem tiêu đề). Cốt truyện vô lý tập trung vào một cặp vợ chồng trẻ (Allen và Diane Keaton), những người âm mưu ám sát Napoleon ở Nga Czarist. Được trang phục trong một trang phục lố bịch khác, nhân vật Allen, triết lý hóa về Thiên Chúa, tình yêu, cái chết và ý nghĩa của cuộc sống, ở giữa những trò hề Zany và hài kịch thể chất vui nhộn. Sự cân bằng giữa những ý tưởng lớn và hài kịch lông vũ là liền mạch, làm cho tình yêu và cái chết trở thành sự khác biệt hoàn hảo thành những bộ phim đầy tham vọng và phức tạp hơn sau đó. Medina Medina

25. Đêm giao thừa (1941)

Giám đốc: Preston Sturges Preston Sturges

Một trong những bộ phim xác định của đạo diễn Preston Sturges The Lady Eve Centres on a Beautiful Con Woman (Barbara Stanwyck) quyết tâm bắt những tình cảm (đọc: Sự thừa kế) của một cậu bé giàu có ngây thơ (Henry Fonda) vừa mới đến từ một năm đến Amazon. Trong một bước ngoặt tốt đẹp từ công thức chiến đấu giới tính đặc trưng cho vô số mục trong danh sách này, Lady Eve tìm thấy vai trò giới truyền thống đã đảo ngược, với Jean Harrington của Stanwyck đóng vai trò là người chiếm ưu thế, hung hăng tình dục với Henry Fonda của Henry Pike phục vụ như là đối tượng thụ động của ham muốn. Với đủ danh tính bí mật và trò hề rộng lớn cho đối thủ chơi William Shakespeare, The Lady Eve là một tác phẩm kinh điển của người Mỹ lạnh như đá. —Cark Rozeman

24. M*A*S*H (1970)

Director: Robert Altman

Considering that it became the basis of a beloved (and long-running) CBS sitcom, it’s easy to forget how revolutionary the original M*A*S*H film was at the time of its release. Certainly, more than 40 years after it first scandalized moviegoers, this 1970 black comedy about the exploits of a Korean War-era surgical hospital not only stands as one of the most subversive portraits of war ever put to film but also as one of the flat-out, most hilarious movies ever made. Boasting a script consisting almost entirely of improv, a major comedic set piece centered on a suicide attempt and the first utterance of the word “fuck” in a mainstream film, M*A*S*H redefined the American comedy and promptly secured director Robert Altman’s status as the ultimate actor’s director. —Mark Rozeman

23. Best in Show (2000)

Director: Christopher Guest

The genius of Christopher Guest’s particular style of mockumentary is in his cast’s complete commitment to character, and none of his films are inhabited by a more hilarious ensemble than Best in Show. Parker Posey and Michael Hitchcock as Meg and Hamilton Swan project their own neuroses on their poor Weimaraner. Eugene Levy’s Gerry Fleck is outrageously outmatched by his wife Cookie, played by Catherine O’Hara—the secret weapon of most Guest films. The director himself plays Harlan Pepper, a Southern gentleman with no self-awareness and an ability to name all kinds of nuts. The more inane his rambling gets, the harder it is to keep from laughing. Finding the ridiculousness in something like the world of dog shows might not be difficult, but there’s no mocking tone to the subject, just to the quirks of human nature. The improvisation and dead-pan delivery from Jane Lynch, Bob Balaban, Jennifer Coolidge, Michael McKean and especially Fred Willard as the sports announcer who knows nothing about the subject he’s paid to talk about, elevate the medium by giving surprising dimension to their characters. It’s a symphony of creation from a troupe of performers at their peak. —Josh Jackson

22. The Great Dictator (1940)

Charlie Chaplin’s first “talkie” was a biting satire that he wrote, directed, produced, scored, and starred in-as both of the lead roles, a fascist despot who bears a rather marked resemblance to Adolf Hitler and a persecuted Jewish barber. Good satire can be powerful, and this film was: Released while the United States was still formally at peace with Germany, it stirred greater public attention and condemnation of the Nazis and Mussolini, anti-Semitism and fascism. (That said, Chaplin later recounted that he could never have made the satirical film even a year or two later, as the extent of the horrors in German concentration camps became clearer.) The choice to play both the tyrant and the oppressed man was an inspired one, underscoring the frightening but inescapable truth that we all contain a little bit of both characters. This is a strikingly pertinent film for our particular moment in history, and well worth dusting off and queueing up not only for its incredible craft but for its resonance as a study in projection. —Amy Glynn

21. When Harry Met Sally (1989)

Director: Rob Reiner

Easily the most beloved romantic comedy of its decade, the story of Harry (Billy Crystal), Sally (Meg Ryan) and their 12-year journey to couple-hood boasts a solid script by Nora Ephron that feeds and feeds off of the unexpected chemistry between its leads. (And with each new generation of lovers watching the diner scene for the first time, another woman laughs and another man sits silently, wondering what’s so funny.) —Michael Burgin

20. Shaun of the Dead (2004)

Director: Edgar Wright

Together, 28 Days Later and Shaun of the Dead established precedents for the “modern” zombie film that have more or less continued to this day. The former made “zombies” scary again, and the latter showed that the cultural zeitgeist of zombiedom (which was picking up around this point) could be mined for huge laughs as well. Most importantly, the two types of films could exist side by side. Shaun of the Dead makes a wry, totally valid criticism of modern, digital, white-collar life through its wonderful build-up and tracking shots, which show slacker Shaun (Edgar Wright) wandering his neighborhood failing to even realize that a zombie apocalypse has happened. Once he and his oaf of a friend finally realize what’s happening and take up arms to protect their friends and loved ones, the film becomes a fast-paced, funny and surprisingly emotional action-comedy. Few horror comedies have actually combined the elements of humor and serious horror the way this one does in certain scenes—just go back and watch the part where David (Dylan Moran) is dragged through the window of the Winchester by zombies and literally torn to pieces. It’s a film that works on so many levels, and manages to be uproariously funny while still being quite faithful to the fidelity of Romero-style zombie flicks. Much in the same way as Zombieland (a definite spiritual successor), it shows that whether the zombies are “scary” is ultimately a matter of how everyone reacts to them. —Jim Vorel

19. Đưa em bé lên (1938)

Giám đốc: Howard Hawks Howard Hawks

Ví dụ về sách giáo khoa về một bộ phim hài bóng chày, đưa em bé tìm thấy Cary Grant, nhà cổ sinh vật học nổi tiếng vui nhộn, Tiến sĩ David Huxley đang vật lộn để giữ cuộc sống của mình với nhau khi người đại diện tán tỉnh của sự hỗn loạn là Kinda Hepburn, Susan Vance rơi vào cuộc sống của anh ta. Thêm vào các shenanigans liên quan đến một con báo con, một bộ xương brontosaurus đang sụp đổ và một số bẩm sinh tình dục trước MPAA đã được thực hiện và bạn không chỉ có một trong những bộ phim hài lãng mạn hay nhất mọi thời đại mà là một trong những bộ phim hài hước nhất từng được thực hiện. —Cark Rozeman

18. Ngày con chó con (1995)

Giám đốc: Harold Ramis Harold Ramis

Bill Murray, giám đốc/đồng tác giả Harold Ramis và nhà biên kịch Daniel Rubin lấy một bộ phim hài kịch TWilight Zone, một người thời tiết tự cho mình bị mắc kẹt khi trải nghiệm ngày 2 tháng 2 một lần nữa và một lần nữa tìm thấy sự phong phú bất ngờ. Một bộ phim thông thường hơn sẽ có tình yêu giải quyết tình trạng theo thời gian, nhưng thay vào đó, nó rơi vào Murray để trở thành người đàn ông tốt nhất mà anh ta có thể có. Một bộ phim hài Hollywood thách thức người Mỹ thuộc tầng lớp trung lưu để cải thiện bản thân, Groundooth Day không chỉ gợi ra tiếng cười, nhưng khiến khán giả cảm động sâu sắc hơn họ mong đợi. Nó cũng đã truyền cảm hứng cho một số người hâm mộ ám ảnh, bao gồm một người đã tính toán, cho đến ngày, số thập kỷ mà Murray đã bỏ ra vào ngày 2 tháng 2.

17. Monty Python và Chén Thánh (1975)

Giám đốc: Terry Gilliam, Terry Jones Terry Gilliam, Terry Jones

Thật tệ khi một số sự tỏa sáng đã bị loại bỏ bởi Chén Thánh bởi sự phổ biến quá mức của chính nó. Ngày nay, khi chúng ta nghe thấy một vết thương xác thịt của người Viking, một người Ni Ni! Hoặc một vùng đất khổng lồ của người Viking, những suy nghĩ đầu tiên của chúng tôi thường có những cảnh đầy đủ được lặp lại cho chúng tôi bởi những người mọt sách đầy ám ảnh, đầy ám ảnh. Hoặc, trong trường hợp của tôi, về việc lặp lại các cảnh đầy đủ cho mọi người như một mọt sách không biết gì, ám ảnh. Nhưng, nếu bạn cố gắng và tránh xa yếu tố quá bão hòa, và xem lại bộ phim sau một vài năm, bạn sẽ tìm thấy những trò đùa mới cảm thấy tươi mới và cuồng loạn như những người mà chúng ta đều biết. Holy Grail, thực sự, là bộ phim hài có dày đặc nhất trong kinh điển Python. Có rất nhiều câu chuyện cười trong bộ phim này, và thật đáng ngạc nhiên khi chúng ta dễ dàng quên điều đó, xem xét danh tiếng của nó. Nếu bạn thực sự bị đốt cháy và không thể đảo ngược từ bộ phim này, hãy xem lại với bình luận và khám phá mức độ đánh giá cao thứ hai xuất phát từ sự sáng tạo mà nó được thực hiện. Nó chắc chắn không giống như một bộ phim trị giá 400.000 đô la, và thật thú vị khi khám phá ra những trò đùa nào (như nửa dừa) được sinh ra từ nhu cầu giải quyết ngân sách thấp. Người đồng chuyển hướng lần đầu tiên từ nghệ sĩ biểu diễn trên màn hình Terry Jones (người chỉ chỉ đạo một cách lẻ tẻ sau khi Python chia tay) và người Mỹ Lone Terry Gilliam (người đã uốn cong phong cách điện ảnh Python, thành một thương hiệu tưởng tượng ác mộng độc đáo của riêng mình) chuyển sang hiệu quả siêu thực. Techgraham Techler

16. Một số thích nó nóng (1959)

Giám đốc: Billy Wilder Billy Wilder

Có phải một số người thích nó là một trong những bộ phim hay nhất của Marilyn Monroe, hay là một trong những phản đối nhất của cô ấy? Sugar Kane, một cách ngắn gọn, là nhân vật Marilyn đã vật lộn rất khó để tránh chơi cho phần lớn sự nghiệp của cô: một cô gái tóc vàng, một biểu tượng tình dục thuần khiết , cho dù trong câu chuyện hay không có. Cô ấy không có gì để làm việc với, vì phần lớn bộ phim, việc nâng vật nặng được dành cho Tony Curtis và Jack Lemmon thay thế. Xem bộ phim vào năm 2017, bạn có thể tự hỏi tại sao Billy Wilder lại lao vào đầu tư đường với bất kỳ mức độ đồng cảm nào, tại sao anh ta viết nhân vật như một đối tượng một chiều, một chiếc cúp cho Lemmon và Curtis để cạnh tranh. Bạn cũng có thể không tự hỏi ở tất cả. Một số người thích nó hoạt động nóng, ngay cả khi Marilyn có rất ít để làm việc khác ngoài tính cách và bạn diễn của cô ấy; Thật buồn cười, nó nhanh chóng trên đôi chân của nó, và nó bán trò đùa trung tâm của nó, không ai, tiết kiệm cho khán giả, có thể thấy rằng Curtis và Lemmon rõ ràng là những anh chàng kéo theo sự kéo hoàn hảo, xếp lớp đủ tự nhận thức về sự vô lý của chính nó Những trò đùa từ việc trở nên chua chát. Tiếng crump

15. Đây là Spinal Tap (1984)

Giám đốc: Rob Reiner Rob Reiner

Bộ phim tài liệu rock duy nhất đáng xem, theo Kurt Cobain và Dave Grohl, không phải là không nhìn lại, đây là một bộ phim tài liệu thực sự không phải là một bộ phim tài liệu, mặc dù nó khao khát nhiều sự thật hơn bất kỳ vô số bộ phim tiểu sử nào, được đánh bại đó là vô số Đi ra trong vài thập kỷ qua. Câu chuyện về một ban nhạc rock kim loại/gà trống hư cấu đã kể qua các cuộc phỏng vấn nói chuyện ghi lại những thăng trầm mang tính biểu tượng của họ Trong chương trình. Mặc dù nó không phải là loại đầu tiên của loại hình này, nhưng cảm giác như có thể là: nó rất hiểu thế giới mà nó nhại lại STARFucking cõi và sau đó, một chút, một cách đáng yêu, một cách đáng yêu, kéo họ đến 11.

14. The General (1927)

Directors: Buster Keaton, Clyde Bruckman

A Buster Keaton chase sequence is like a great piece of music, gliding effortlessly from one variation on a theme to another, building gag upon gag until the explosive climax. Plenty of other filmmakers made chases with the same sets of notes, but none played them so fluidly. The General, then, is like a grand symphony—one long, sustained chase back and forth across the landscape of the Civil War. After a brief prologue to establish the characters, our hero is either chasing or being chased as the camera tracks across the authentic Civil War landscapes. The tightness of the narrative, combined with the large-scale gags, makes this many people’s favorite Keaton film—if not simply their favorite silent. —Jeremy Mathews

13. His Girl Friday (1940)

Director: Howard Hawks

Special effects have become so sophisticated that many of us have probably forgotten how much pure amazement you can wreak with a great story and a script that doesn’t let up for one second. This amazing, dizzyingly paced screwball comedy by Howard Hawks stars Cary Grant and Rosalind Russell, and takes us back into two of the decade’s hallmark preoccupations: The “remarriage comedy” and the intrigue and obsessiveness of the newspaper world. The minute Russell’s Lindy Johnson stalks into the newspaper office run by her ex-husband Walter Burns (Grant), you know it’s to tell him she’s getting remarried and leaving journalism to raise a family, and you know that’s not how it’s going to end. No high-suspense mystery here. What puts you on the edge of your seat in this film is how you get there. Hilariously acted and expertly filmed, His Girl Friday derives much of its comedic impact from the incredibly clever and lightning-fast banter of the characters. Don’t even think about checking your phone while you’re watching this. In fact, try to blink as little as possible. —Amy Glynn

12. Modern Times (1936)

Director: Charles Chaplin

If time is a flat circle, then Modern Times is like a flat sprocket—the travails of the Little Tramp navigating a mechanical world being so incessant and repetitive that elements like luck and hope only serve to spur along Chaplin’s farce even though they hold little grip on his characters’ futures. Not much changes for the Little Tramp throughout: He tries to survive, and yet the institutional system craps him back out to where he started, desperately hungry and penniless, left with nothing to do but try again. This was also Chaplin’s last go as the Tramp, and it’s easy to imagine that, throughout the film’s many misadventures—joined by equally good-natured partner in crime, the gamin (Paulette Goddard)—as he gets sucked up and sublimated into the modern industrial machine, this “disappearance” was kind of by design. It’s a weird way for Chaplin’s beloved character to go out, but so is the many ways in which Chaplin shows how the modern industrial machine becomes part of the Tramp, too. He may get squeezed through a giant, sprocket-speckled apparatus, becoming one with its schematics, but so too does the assembly line—with all that twisting, wrenching, and spinning—impress itself onto the Tramp, leaving him unable after a long shift to do anything but waggle his arms about as if he’s still on the assembly line. It’s no wonder, then, that the President of Modern Times’ factory setting bears a striking resemblance to Henry Ford: Chaplin, who toured the world following the success of City Lights, witnessed the conditions of automobile lines in Detroit, how the drudgery of our modern times weighed on young workers. The Great Depression, Chaplin seems to be saying, was the first sign of just how thoroughly technology can kill our spirits, not so much discarding us as absorbing our individuality. Modern Times, then, is a film with a conscious far beyond its time, a kind of seamless blending of special effects, sanguine silent film methods, and radical fury. —Dom Sinacola

11. Blazing Saddles (1974)

Director: Mel Brooks

Mel Brooks’ greatest and most racially charged comedy has recently been mentioned in debates of political correctness, in the tone of “Nobody would be able to make Blazing Saddles today,” and for better or worse, it’s hard to refute. The film is a product of its time, a decency-stretching Wild West farce about a black sheriff trying to win over the white settlers of his frontier town and foil the plot of comically nebbish villain Harvey Korman in an all-time great comedy performance. Brooks regulars such as Madeline Kahn contribute great bits, and there’s the wonderfully understated Gene Wilder, but the reason the film remains such a classic today is that the surface-level gags are largely harmless and timeless. From its little diversions in Loony Tunes parodies, to the genre satire of every person in town seemingly being named “Johnson,” it’s a surprisingly sweet film for one that’s also throwing around heavy themes of racism and discrimination. One thing that genuinely wouldn’t be done in a film today is its madcap, zany ending, as the cowboys spill out of their own movie and into the other Warner Bros. soundstages. Outside of Anchorman 2, nothing else in recent years has tapped into that level of reality-bending, plot-snapping absurdism. —Jim Vorel

10. Một con cá tên là Wanda (1988)

Giám đốc: Charles Crichton Charles Crichton

Tác phẩm này cho thấy những gì có thể xảy ra khi bốn diễn viên truyện tranh lành nghề (John Cleese, đồng nghiệp Monty Python Alum Michael Palin, Kevin Kline và Jamie Lee Curtis) được tặng một kịch bản (được viết bởi Cleese) đặt tất cả họ đều ngang hàng. Kết quả là một bộ phim hài được điều khiển, được điều khiển bởi nhân vật, trong khi khó khăn với các bà già, cá và chó sục, tiếp tục thưởng cho người xem mới và trở về. .

9. Nó đã xảy ra một đêm (1934)

Giám đốc: Frank Capra: Frank Capra

Đối với Gone With The Wind, Clark Gable, chân dung của News, người báo cáo hoài nghi khó rượu Peter Warne, một người đàn ông thấy mình trong một chuyến đi đường với cô gái giàu có Runaway Ellie Andrew (Claudette Colbert), vẫn là vai trò tốt nhất trong sự nghiệp của anh ta. Tương tự như vậy, Colbert là một kẻ đáng yêu như một kẻ bỏ trốn. Đây là một trong những rom-com tiên phong, hai nhân vật có ý kiến ​​rất cao này, những người có thể đứng đối với nhau ngay từ đầu chắc chắn sẽ thấy cảm xúc của họ dịu đi khi họ đến đoạn cuối cùng của cuộc hành trình. Vào thời điểm phát hành vào năm 1934, một đêm xảy ra đã được coi là buồn cười đến nỗi nó đã giành được năm giải thưởng Academy (Phim hay nhất, Đạo diễn, Diễn viên, Nữ diễn viên và Kịch bản) chính xác vì rất hài hước. Rõ ràng, gần 80 năm và vô số copycats có phần nào pha loãng bộ phim về tính nguyên bản và hài hước theo thời gian. Tuy nhiên, nó vẫn là một ví dụ điển hình của hài kịch Mỹ và là một mô hình cho tất cả các rom-com thành công cho đến ngày nay. Ngoài ra, hãy để đối mặt với nó, có bao nhiêu bộ phim hài lãng mạn tiếp theo đã có cơ sở của họ trong các cuộc đối thoại đơn giản như thế này (giữa cha Warne và Ellie,): Ông Andrew: Bạn có yêu [con gái tôi] không? WARNE: Một con người bình thường không thể sống dưới cùng một mái nhà với cô ấy mà không cần đi. Cô ấy ý tưởng của tôi về Nutty. Ông Andrew: Tôi hỏi bạn một câu hỏi đơn giản, bạn có yêu cô ấy không? Warne: Vâng! Nhưng don lồng giữ điều đó chống lại tôi, bản thân tôi có một chút khó khăn! —Cark Rozeman
Mr. Andrews: Do you love [my daughter]?
Warne: A normal human being couldn’t live under the same roof with her without going nutty. She’s my idea of nutty.
Mr. Andrews: I asked you a simple question, do you love her?
Warne: Yes! But don’t hold that against me, I’m a little screwy myself! —Mark Rozeman

8. Máy bay! (1980)

Giám đốc: Jim Abrahams Jim Abrahams

Bộ ba văn bản của Jerry Zucker, Jim Abrahams và David Zucker (Zaz) đã định nghĩa một thể loại với trò giả mạo phim thảm họa của họ vào năm 1980. Những trò đùa bay nhanh và giận dữ, từ những người đầu tiên trong sự nhầm lẫn của một phi hành đoàn bao gồm Roger và đội trưởng Oveur (Hồi Roger, Roger. Vector của chúng tôi là gì, Victor? Đối với một bà già dịch jive (anh chàng Jive-ass don don không có bộ não nào! Shiiiiit! Trích dẫn lố bịch và lố bịch, nó là bộ phim giả mạo hài hước nhất mọi thời đại. CấmJosh Jackson

7. Monty Python Cuộc sống của Brian (1979)

Giám đốc: Terry Jones Terry Jones

Được sản xuất nhiều trên xu của George Harrison và được xem xét, ngay cả khi Apocryphally, bởi đoàn kịch huyền thoại là bộ phim hay nhất của họ Brian đã bị cấm bởi rất nhiều quốc gia ở đầu thập niên 70. Là một câu chuyện về Chúa Kitô, việc kể về cách cậu bé của Mama, Brian (Graham Chapman) nhầm lẫn mình là một trong nhiều nhân vật Messiah trỗi dậy ở Judea dưới cái bóng của nghề nghiệp La Mã (khoảng năm 33 sau Công nguyên, vào một buổi chiều thứ bảy), Monty Theo dõi của Python cho Holy Grail có thể là bộ phim chính trị nhất của ilk. Như vậy, nhóm hài kịch Anh đã tước đi tất cả chủ nghĩa lãng mạn và quý tộc từ câu chuyện về xương, đưa mọi thứ từ các nhà cách mạng cấp tiến đến các thể chế tôn giáo đến quan liêu của chính phủ trong khi không bao giờ cúi xuống để chọn hình dáng của Chúa Giêsu hoặc những giáo lý đồng cảm của mình. Tất nhiên, Life of Brian không phải là bộ phim đầu tiên về Chúa Giêsu (hoặc: Chúa Giêsu liền kề) tập trung vào khía cạnh con người của cái gọi là Cứu Chúa Đầu tiên để tận dụng sự yếu đuối của con người chống lại sự vô lý của những kỳ vọng của thần thánh. Dựa vào sự châm biếm sửa chữa tất cả mọi thứ, từ Spartacus đến Jesus of Nazareth của Franco Zeffirelli, và được nhiều dòng mang tính biểu tượng như có những kẻ đóng đinh đang giữ các khung của bộ phim (như người mẹ không kém phần của Brian cho đến Một cậu bé rất nghịch ngợm !,), bộ phim khám phá cuộc sống của Chúa Giêsu bằng cách ám ảnh về bối cảnh xung quanh nó. Có lẽ một người sinh ra trinh nữ thực sự đã được gọi là như vậy để che đậy một tội ác tình dục của Centurion Centurion. Có lẽ sự trùng hợp (và cả cuộc đấu tranh giai cấp) là thực tế chỉ có lực lượng hướng dẫn. Có lẽ tiêu chuẩn của những gì làm cho một phép lạ nên cao hơn một chút. Và có lẽ một sự thật thông qua dòng lịch sử là những người ngu ngốc sẽ luôn đi theo những người ngu ngốc, huýt sáo trên đường đến những cái chết vô ích, vô ích của chúng ta. SINHDOM Sinacola

6. Cô dâu công chúa (1987)

Giám đốc: Rob Reiner Rob Reiner

Rất có thể là sự biến đổi được thực hiện hoàn hảo nhất của một cuốn sách yêu thích thành một bộ phim yêu thích trong lịch sử của môn thể thao này. Một câu chuyện ngụ ngôn thân thiện với gia đình với những màn trình diễn hoàn hảo của toàn bộ diễn viên từ nhân vật chính đến người chơi bit, cô dâu công chúa dễ dàng là bộ phim có thể trích dẫn không ngừng nhất ở bất cứ nơi nào bên này của Monty Python và Chén Thánh của họ. Mặc dù được các nhà phê bình coi là đủ nồng nhiệt, nhưng tình trạng của nó là Fable Comedic đảm bảo nó bị đánh giá thấp trong hầu hết các danh sách. Không thể tưởng tượng được? Than ôi, không. Nhưng dù sao cũng không công bằng. Giới thiệu Burgin

5. Frankenstein trẻ tuổi (1974)

Giám đốc: Mel Brooks Mel Brooks

Một trong những bộ phim hài hay nhất mọi thời đại và một trong 10 bộ phim tôi có thể trích dẫn gần như hoàn toàn từ ký ức, Young Frankenstein là một tác phẩm kinh điển của thể loại này. Ngay lập tức là một trò giả mạo của các bộ phim kinh dị phổ quát truyền thống và một cống phẩm yêu thương, Mel Brooks và dàn diễn viên tài năng vô cùng của anh ấy đã tạo ra một bộ phim vượt thời gian. Nó theo sau Tiến sĩ Frederick Frankenstein (do Gene Wilder thủ vai) khi cuối cùng ông đưa ra để tiếp tục các thí nghiệm của ông nội (Frankenstein). Một tác phẩm kinh điển cho mọi lứa tuổi, Peter Boyle, đối với quái vật Frankenstein, vui tươi hơn đáng sợ, sau tất cả, thật khó để thấy một đứa trẻ bị một con quái vật nhảy múa, ngay cả khi anh ta là người Puttin, trên Ritz. Đá Rabinowitz

4. Câu chuyện Philadelphia (1940)

Giám đốc: George Cukor George Cukor

Bạn có thể tin rằng đã có lúc Katharine Hepburn được biết đến ở Hollywood với tên gọi phòng vé của Box Box Office không? Bản chuyển thể của một hit Broadway này là một phương tiện để đưa sự nghiệp của cô trở lại đúng hướng sau một loạt các flops. Buổi biểu diễn của cô là người thừa kế băng giá Tracy Lord trong bộ phim hài này của người Hồi giáo này là một thế lực của tự nhiên. Hạnh phúc thay, người yêu cũ không còn kéo dài hơn của cô được chơi bởi Cary Grant, một người là một lá tuyệt vời. Jimmy Stewart và Ruth Hussey làm tròn dàn diễn viên với tư cách là phóng viên trong việc ngụy trang không quá clever. Khá nhiều thứ về bộ phim này là một niềm vui thuần túy, và kịch bản là một kiệt tác. Glynn Glynn

3. Súp vịt (1933)

Mặc dù một số nhà phê bình sẽ lập luận rằng nhịp độ Duck Soup, làm cho nó kém hơn các bộ phim khác trong danh mục Marx, bộ phim One Liners đáng kinh ngạc và Hóa học trên màn hình tuyệt vời của anh em trở thành một trong những bộ phim được yêu thích rõ ràng nhất của họ. Khán giả nhìn thấy miệng Spitfire của Groucho, trong thời kỳ đầu của nó là Rufus T. Firefly, một nhà lãnh đạo mới được bổ nhiệm của quốc gia đang gặp khó khăn Freedonia, và nó cũng là một sự vui nhộn vững chắc như một sự châm biếm của chính phủ và chính trị thời đó. Harpo và Chico là không thể tin được trong các phần thứ cấp của họ như là gián điệp, thể hiện sự nắm giữ của họ trên tát và hài kịch thể chất mà rõ ràng nhất trong những biểu cảm khuôn mặt gần như vui nhộn, vui nhộn trong suốt. Cấmtyler Kane

2. Annie Hall (1977)

Giám đốc: Woody Allen Woody Allen

Annie Hall là người chiến thắng hình ảnh tốt nhất duy nhất trong Canon Woody Allen. Bộ phim cũng là một trong những bộ phim hài lãng mạn hay nhất từ ​​trước đến nay, đơn giản là vì nó cần có thời gian để thể hiện tất cả những khoảnh khắc xảy ra trong một mối quan hệ, một loạt các hạnh phúc và buồn bã, cay đắng và chỉ đơn giản là cay đắng. Từ việc chiến đấu với bộ phim nào để xem, đến cười trong khi đuổi theo những con tôm hùm trong bếp, Allen gói gọn hoàn hảo vẻ đẹp tinh tế được tìm thấy trong những đỉnh cao của một mối quan hệ. Nó không làm tổn thương rằng sự dí dỏm và hài hước của anh ấy hoàn toàn phù hợp với Diane Keaton, trong màn trình diễn mang tính biểu tượng, giành giải Oscar của cô ấy. Buồn cười với một dòng chảy trí tuệ nhận thức, Annie Hall là một tác phẩm kinh điển bền bỉ. Medina Medina

1. Nâng cao Arizona (1987)

Giám đốc: Joel Coen Joel Coen

Các màn trình diễn kịch tính được đánh giá cao đều tốt và tốt, nhưng phải thay mặt cho cả hai đạo diễn và diễn viên để cung cấp các màn trình diễn quá mức được tìm thấy trong suốt quá trình nâng cao Arizona. Từ chuỗi tán tỉnh mở đầu cho đến các cuộc đấu tranh của H.I. . Fable. Giới thiệu Burgin

Phim hài kịch số 1 trên thế giới là gì?

Những gì được coi là bộ phim hài hay nhất mọi thời đại?

Một bộ phim rất hài hước là gì?

Bộ phim hài hước nhất trên Netflix cho người lớn là gì?